《王子眼疾》影評:《新喜劇之王》

姑且不論結局有多少種猜測,就創作核心概念而言,《新喜劇之王》絕對是周星馳自《少林足球》後,從劇本結構、人物塑造到寓意空間完成度最高的作品。

甚至要說難度最高,我也無異議。

無論是80年代的概念摸索期,到90年代的創作黃金期,周星馳前20年演藝生涯幾乎都以喜劇為主,而且創作點子與手段信手拈來,順勢開創“無厘頭”文化,也顛覆傳統喜劇的套路。

可以這麼說,“顛覆”是周星馳電影裡重要的創作精神。要是沒有這些顛覆,他橫行江湖的招數早就被人拆台;沒有這些無預警的笑位,自然也不會逐漸成就他喜劇泰斗的穩固地位。

1999年的《喜劇之王》算是周星馳生涯的分水嶺。在他導演的電影裡,這是第一部以文藝片作為核心基調。故事內容幾乎是悲劇,喜劇元素只是點綴;而所謂的笑點,很多時候並非來自橋段,反而是來自演員的浮誇演出與對白。

這一改變,凸顯了周星馳在創作格局的企圖心——雖然已經掌握了喜劇的節奏,但在他心中,喜劇仍非正劇。就算收穫再多的掌聲,在觀眾心目中,始終只留下一抹笑聲,而沒有更深沉的反思重量。

因此,從《喜劇之王》開始,周星馳每部電影基調幾乎都轉為嚴肅。無論是《少林足球》、《功夫》到《長江7號》等,故事骨幹都不搞笑,只有在角色設計上才添加笑點。這樣的創作方程式延續至今,因此將《新喜劇之王》與《喜劇之王》列為星爺創作的兩大悲劇並不太精準,嚴格來說,就連星爺最後一部演出的《長江7號》悲劇成分甚至不亞於兩者,只是後者成績差強人意,也讓裡頭要探討的低階人生意義被忽略。

之後的《西遊降魔篇》及《美人魚》,對我而言都眼高手低。星爺在這兩部片想展示更大的企圖心,希望透過虛構劇情,注入警世寓意。他當然不忘加入笑點,但或許這些片子拍攝重心已轉移至中國,大部分班底也以中國人為主,因此笑點設計變得綁手綁腳。

失去了港味,如同少了原味。故事鋪陳節奏也奇怪,或許是靠攏中國市場,少了在香港拍攝的熟悉與自信,很多時候敘事手法稍顯用力,彷彿在重新遞交名片提醒觀眾——嘿,我是來自香港的周星馳。我現在回到祖國拍電影,你們會接受我嗎?

當全世界當全世界都幾乎為周星馳蓋棺定論,貼上“江郎才盡”的封條時,看完《新喜劇之王》後,我覺得是時候拆下封條,還周星馳一個公道。

首先,要與自己拍攝過的經典對話與呼應,難度與原創一部電影來得高——要延續原著精神,卻不忘注入新元素;要打破觀眾超高標的預期值,卻又不能太遠離觀眾的期望,否則就會前功盡棄。

在重建與推翻之間不斷磨合,荒謬矛盾中又不失反思空間。這種創作的難度與高度,裡頭的平衡點拿捏一點都不容易。稍一錯手,不僅無法新的觀眾,還會流失原本抱著高度懷舊情懷的粉絲 。

慶幸的是,《新喜劇之王》找到了新的顛覆角度。所謂的顛覆,其實也只不過是在創作基礎撇除了《長江7號》、《西遊降魔篇》或《美人魚》的神怪元素,重新回歸到最原始的人性描繪,讓觀眾見識到再度接地氣的周星馳。

打造人物是周星馳的強項,而他也成功塑造各種鮮明的角色個性,並將它嵌入劇情中順利承載,讓觀眾能先認同角色後,再順勢投入劇情中。

所以,觀眾能同情如夢的遭遇,感受她父親嘴硬心軟的愛,痛恨她的渣男友與綠茶婊室友,生氣馬可的欺人太甚等,甚至就連電影裡頭的導演,觀眾也能感受到他的無奈與憤慨——這就是周星馳寫人物的魅力。

在劇本的結構上,起承轉合幾乎都沒太多硬傷。我反而驚訝第一版的預告片段中,大部分都幾乎出現在電影前30分鐘。這樣的操作手法有點風險,尤其當觀眾發現觀影感受與預告片不同時,若沒有更誘人的劇情,往往收穫失望多過驚喜。

幸好,前半段搞笑的元素過了,後半段的感性戲碼竟能無縫接軌。這要多虧女主角鄂靖文的演技,她從一個不放棄夢想的樂天臨演,最終變成一個甘心接受命運的女子,每場演出都拿捏到位。演出不尖銳,但總能絲絲地牽連每場戲。

相比王寶強,我始終覺得他的演出是為電影拉低一些分數。儘管前半段的角色塑造本來就要犯眾憎,但他過去飾演太多雷同個性,每次都外放浮誇,這次的確達到故事要的討人厭效果,但這非演技使然,反而歸咎在本色扣分。當然這很主觀,我只是猜想,若換成《西遊降魔篇》的文章來演,加上對比他過去幾年的機遇,效果會否更理想。

另外,周星馳不僅在劇本與對白上與舊作呼應,在鏡頭與配樂也隱藏不少懷舊訊息。從《少林足球》、《功夫》、《賭俠》等,對周星馳熟悉的人絕對會對裡頭許多細節設計會心一笑。

對我而言,這些並非炒冷飯或消費情懷。由於這部電影很踏實在講述追夢的故事,女主角與《喜劇之王》時的周星馳除了在職業上雷同外,其他如家庭背景、遭遇到感情等都不一樣。

兩者要表達的核心也不同,《喜劇之王》依舊仰賴周星馳的演員魅力在撐場,很多時候的小人物遭遇觀眾都不會過度投入,反而只會放大裡頭的荒謬情節;《新喜劇之王》採用素人,反而讓觀眾能放下演員熟悉感,回歸到看電影的初心,融入在一部悲劇人生的描繪。

因此,最終女主角是否有得獎或去世,對我並沒意義。無論是真實或發夢,至少電影前半段傳遞的悲傷宿命訊息已經深植在我心中。

還有,我其實最喜歡她與另一名有錢臨演李洋的互動,尤其兩人道別時那一刀未剪的兩分鐘鏡頭,真摯得發光。我想,周星馳會安排這樣的一場戲,心中恐怕也曾有過同樣的悸動吧。

這是我喜歡的周星馳。他不寫喜劇,他寫戲。

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《女友》雜誌旅遊專欄:特工的高山秘密基地

米倫是個被低估的瑞士旅遊勝地。

就算不說山上曾被007電影取景的旋轉餐廳,單是小村落本身有種遺世獨立感。擁有現代設施與商店飯店,開發成熟度剛好,但人潮相對不多,且抵達的遊客大都是尋求安寧。

因此,街道上幾乎很少足跡,大多數人都選擇去附近的戶外活動。擁擠度零,空氣與舒適度滿分。

要抵達米倫的過程似乎就是個超級神聖的儀式。我與朋友先抵達著名的瀑布鎮勞德本納,然後先是要搭纜車,再乘搭一個兩個車廂的小火車慢慢駛入村莊。

小火車的窗口半截,我趴在窗口,一邊感受微涼的風撲面,一邊享受雪郎峰的壯麗風景。偶爾能俯瞰勞德本納的瀑布景色,不時還會看到乳牛在草原悠哉吃草。整個車程像是搭上童話列車,正前往一個神秘漂亮的桃花源谷。

隔日,與導遊會面後,我們便乘搭纜車前往雪朗峰的Piz Gloria旋轉餐廳上。一抵達餐廳,滿眼皆是詹士邦第六系列電影《女王密令》(On Her Majesty’s Secret Service)的電影劇照與周邊商品。我雖然並非典型007迷,但看到這部1969年拍攝的電影相關物品出現時,還是莫名感到興奮,並立即拿起手機拼命打卡拍照。

過後,我在餐廳裡找到傳說中的意大利氣泡酒普羅賽克(Prosecco)。這個氣泡酒有幾種選擇,有的偏酸,有的帶甜。

我選擇後者,一喝之下:好!

口感順滑,酒精濃度剛好。喝了幾口後微醺,看見窗外不斷360旋轉的角色,真有種在雲端當神仙的逍遙感。

之後,我們便走到戶外的觀景台拍照。站在那裡,心曠神怡,整個身心開懷舒展。但導遊說這還不是最厲害的景點,遂走到餐廳另一側,指示我們從左望到右。

“ 看,這就是著名的艾格峰(Eiger)、僧侶峰 ( Mönch ) 和少女峰 ( Jungfrau ) 形成的天然壯觀景致。然後那邊可以連接到勃朗峰(Mont Blanc)和黑森林,嘆爲觀止吧?” 她說這就是瑞士最著名一望無際的天際線,語氣中藏不住驕傲,我也只能不斷點頭。

因為眼前的鬼斧神工太過震撼,每座超過3千米的高山就這樣完整排列。“ 這就是世界之巔啊!” 我就這樣傻傻碎念著。

之後,導遊就帶我們搭到布里格(Brig),帶我們去體驗一個超驚險刺激的遊戲——極限漫步(Thrill Walk)。

這是挑戰畏高症的極限遊戲。從陽光樓台開始,沿著布里格山近乎垂直的岩壁,都打造了幾條底部透明的走道,包括有鐵格柵打造的繩索走道、玻璃透明走道、尼泊爾式步行橋、還有最後的鐵絲網爬行隧道等。

每個路段長達10至20米,若成功克服畏高往下看的話,絕對會體驗在垂直深淵中,感受到虛空般的全景視角。那絕對是嘆為觀止的感受,整個人似乎飄在懸崖環顧整個山間壯麗風景。

我彷佛有種成了特工的錯覺。

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一甲子的鄉愁

那是70多年前的事,當年他只有12歲。

那個年代,物資匱乏,誰不辛苦。

1940年代的台灣,務農是最普遍的工作。他家境不一樣,與大多數小孩一樣,國小畢業後就出來做長工。

日曬雨淋,勤奮勞作。但5年過去,除了黝黑了歲月,口袋仍沒半點積蓄。

他想了想,覺得這樣下去不太行。正好有擀麵館招學徒,於是他決定離鄉背井,來到口湖,決定換個人生方向。

孰不知,異鄉從此就成了原鄉。他不僅學習到制麵的訣竅,也在這裡找到了姻緣,落地生根。

當時,29歲成家已算晚,況且立業仍沒譜。以現代人的觀念,「人生勝利組」絕對粘不上邊。

慶幸的是,小夫妻若恩愛,總能莫名加速幸福的步伐。

他們先是在派出所附近租了個小空間,用簡單的機器來制面。那個年代,口湖的製麵廠仍有10多家,每家都有各自的特色。他們沒有競爭心,只求能糊一口飯。因此每天凌晨3點就爬起來揉麵,一做就要堅持14小時,日子雖過得有點辛苦,但終究存到錢,最後總算有能力買地,建個小工廠,豎起了「吉財手工日曬麵」的招牌。

沒想到,上天對他特別眷戀。過去60年,他不僅生了3個小孩,升級當了阿公,所有家眷都願意接手幫忙這個家庭事業外,其他製麵廠在無人接手及盈利淡薄下,陸續倒閉。

他對手工麵的堅持得到意想不到的回報。原本只是在口湖鄉販賣,口碑傳出後,其他鄉鎮的人也紛紛前來調貨販賣。最終,他的手工麵成功在市場加工化的複製品中殺出一條血路,並且還宅配到全台各地。

他透露,最大的成就認證來自一個過動兒。這名小孩因發燒過頭,導致表達力差,平時活蹦亂跳,連吃飯都無法坐住。某天吃到他家出產的手工麵後,雖然嘴上不說一句話,但竟連吃三碗。

「我真的歡喜!」他用濃濃的閩南語回答,「我感覺救了一個人,覺得自己的用心被看見。」

但他堅持不透露麵條的秘方,只願意讓我們看見製麵的過程。從製成面皮、醒麵、將麵條包裝起來保濕,然後再切麵、拉麵到曬麵等,每個流程都要人手去操弄,而且控制力道都要精準。

稍微疏忽,麵條不是太硬,就是容易斷掉。

這就像是他的人生。汲汲營營,步步謹慎,才能讓麵條發香,吃起來有種工廠機器難以媲美的生命力。或許這與他的宿命有關——從稻田走進製麵廠,不變的是與麥子的緣分。

「我從小吃他們家的麵長大,而且吃足三代。沒有他的麵,總覺得整個童年被抽空。」某個街坊說。

一甲子過去,他從一個外地人,慢慢成為口湖鄉最指標的製麵廠主人。「吉財手工日曬麵」不僅是83歲的他人生里最美麗的記憶,也是口湖鄉許多代人不斷追隨的味覺鄉愁了。

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《王子眼疾》影評:《Mary Poppins Returns》

比起其他經典電影的延續篇,《Mary Poppins Returns》的開拍難度較吃力不討好。

不像《King Kong》或《Superman》同為特效片,這兩者都有著明顯的角色形象,任憑歲月再怎麼更迭,怪物與超人在任何時代都有著同樣的語言標記。

Mary Poppins則相對保鮮度短。 雖然她曾紅極一時,是六七十年代的文化影像Icon,不過電影劇種並非是每個人都能接受的歌舞劇,角色壽命自然也有壽命期限。

因此,當相隔快要一甲子後才決定翻拍,無論是期望撈取老影迷情懷資本的考量,或向老電影致敬的動機,這兩種都不算理智。退一步想,或許透過原生角色,再注入更多當代社會的情境議題會更有趣。

但這部片都沒這麼做,反而還延續著老電影的故事脈絡,將年代設定在原先電影年代背景的20年後(100年前的經濟大蕭條時期),這種企劃動機,說好聽勇氣可嘉,現實點則是過於冒險。

或許,出品單位是迪士尼,也只有迪士尼能用這種方式出招。畢竟身為目前美國最大影業工廠,他們擁有神級般的資源,鋪天蓋地且催眠式的宣傳管道,就算在院線無法擊中觀眾,他們仍有辦法將資源回收在小熒幕,並用捆綁式的行銷手段繼續販賣給家庭。

所以,當市場利潤憂慮壓至最低後,就算此片的題材不太接地氣,也就無所謂。

照理說,既然沒有太多商業考量,電影劇本理當很精彩。不過看完後仍有點訝異,電影設定的觀影對象看似小孩,但真正目標仍鎖定在有看過老電影的觀眾。

扣除經典的拿著雨傘從天而降的鏡頭外,電影對角色的性格塑造,2D與3D動畫的穿插,還有各種呼應老電影的對白,很多時候都暗藏著許多年代密碼,讓沒看過老電影的影迷可能會不時搔腦門。

當作新電影來看的話,一切又變得較為童趣平淡。從孩童的視角出發來說一個大人遭詐騙的故事,不算太說教,但顯得兒戲,讓人有種一直在看兒童台故事的感覺。

加分的是配樂與插曲。譜曲方式與這幾年的歌舞片較不同,每首都有明顯的主旋律,創作手法偏向古典,即旋律形式大於編曲。迪士尼能有這樣反潮流的堅持,不輕易隨波逐流,在這個年頭算是功德無量。

Emily Blunt依舊是消化各種類型片的高手。她看似發揮度不大,實際上這種喜劇考驗的是外型下微妙的舉手投足,也就是塑造型格大於情緒流竄。相比她去年在《A Quiet Place》中情緒大起大落的演出,你就知道這部她收得有多好,討喜又不失性格。再配上三個逗趣小孩的演出,這部片仍不失歡樂,算是對得起老電影的傳承感。

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《王子眼疾》影評:《Aquaman》

跟其他改編自漫畫的超級英雄電影一樣,我並不會針對《Aquaman》的劇情去討論是否合理或失實,因為這樣的討論毫無意義。

超級英雄電影就應該有一套專屬的詮釋系統,套句電影公司的話就是特定的 “ 宇宙觀 ”。所以,若要討論電影裡裡的邏輯問題,就應該回歸到原創漫畫本身。

電影只是一個翻拍工具,將原本另一個媒介的東西轉述出來。因此,與其與討論超英電影的劇情合理,我覺得如何將漫畫精神透過影玩出風格更有意思。

對我而言,把DC這幾年的成品攤開來看,《Aquaman》無論在執行度或完成度來說,含金量都偏高。它不僅將原著的脈絡清楚交代,在改編的手法上也加入導演的巧思,在商業大片中偷渡了一些個人藝術偏好,尤其DC在這部承載著 “ 只許贏不許輸 ” 的壓力,已經不容易。

其中最讓我驚豔的是配樂。

有別於其他超英電影都會使用的管弦樂及搖滾嘻哈,這部電影竟然有些罕見的80年代New Age曲風,搭上超現實絢麗的海底世界視效,很多人都說有種難以解釋的虛幻感,其實就是這種配樂暗地裡幫忙催眠。

New Age原本是一種偏向心靈探索的清新音樂,但本片卻故意在電子琴為基調的配樂上加強復古元素,偶爾誇大了弦樂的節奏,這樣大膽的運用,算是超英電影裡的首見。

這是最大的驚喜。另外,我想談談導演的創作手法與動機,尤其知道James Wan為了縮減預算,透過許多攝影巧思來借位製造出水底世界的效果後,比起Michael Bay(變形金剛的導演)之類的導演,我情願票房之神站在James這裡。

當然不是因為他有馬來西亞血統的關係,而是比起以前,在面向更全球化的現在,好萊塢導演擁有的預算空間更大外,許多拍攝手段都傾向依賴綠幕來呈現。

所以,當擁有大片資源的導演願意跳出舒適圈,用一種更真誠卑微的態度去面對拍電影這回事,並不斷用傳統的方式製造出高視效的觀影經驗時,這就是回到了《Avatar》技術成功前看特效片都有種期待的年代。

那是種說不出的純粹感動。

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當然,綠幕的發明是個劃時代突破,但當James願意用一種更貼近電影核心價值的拍攝手法,去挑戰完整一部視效稍微欠缺就足以毀了整部電影時,對這份堅持我是非常感動。

除了這些外,整體敘事流暢,運鏡及場景設計漂亮,演員也稱職,關於《Aquaman》的整體成績,對我而言已經無需再雞蛋裡挑骨頭。若真要挑剔,我只能說對白偶爾還是略顯不夠精簡,說教意味偏高,稍微與水神的梟雄感有衝突。

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《王子眼疾》影評:《Instant Family》

美國典型溫馨小品,比預期中好看。

《Instant Family》拍攝手法平實,但劇本處理得出色,對白幽默且松弛有度,不僅透過領養帶出家庭觀,也趁機好好修理了美國遍地的種族與階級歧視。

核心價值很簡單——领养家庭是否能拥有如原生家庭的爱?

一對美國白人夫妻受到家人刺激,一氣之下,決定領養了三個南美裔小孩的故事。美國典型商業片拍攝手法,從相處矛盾到大團圓結局的符合預期套路,但對白生動幽默,角色有趣,加上裡頭除了探討各種家庭價值與教育課題外,也體現部分文化差異及平權問題,不時還讓人笑中帶淚。

過去幾年的家庭倫理電影常有個弊病,稍不留心,就會把原本要傳遞的訊息淪為說教——自以為是地站在道德高位講述大篇幅道理,叨叨絮絮,卻少了真誠;或在快結局時將混亂的劇情硬生生掰正,流於形式,邏輯性也欠缺,導致觀眾少了代入感,也漸漸地厭倦這類片子。

《Instant Family》的拍攝手法其實也沒有太創新,起承轉合幾乎都按著過往好萊塢的家庭劇模式。同時,電影偶爾有斷裂感,在劇情銜接部分並非太過流暢。

慶幸的是,電影的細節處理不俗,補強了上述的敘事節奏。同時,內容描繪不失深度,無論是主角一家人的磨合過程,或其他配角的生活模式與價值觀,都深刻地表達了不同的觀點與立場,讓電影透過各種正負面的互動表現,具體地呈現出時下美國中產階級的生活面貌。

其實,當看到導演與編劇的名字是Sean Anders,心裡不免有點擔心。他以拍攝喜劇為主,但每部片子幾乎都走低俗路線,與其說想博君一笑,倒不如說是挑戰智商的鬧劇。所以對於他這部作品,我根本不敢期待。

但沒想到這部作品他拍得異常感人,雖然中間不免仍有一些難消化的笑料,但整體而言節奏與內容相輔相成。或許這部片改編自導演的自身經歷,也或許是因為有男主角Mark Wahlberg的合力監督,所以才讓電影在商業元素與紮實內容方面取得良好平衡。

最值得鼓勵的是,電影不再只是探討領養與親生誰比較重要的老掉牙課題,反而透過許多孩童視角,讓成年人去感受領養小孩內心的不安全感與恐懼。很多時候他們並非抗拒領養家長,而是害怕在打開心接受新的寄託後,後者卻又在某個時候令他們失望,讓他們再度成為棄養孩童。

同時,戲裡頭也不排斥討論同志領養家庭的議題。電影並沒過分美化或醜化,反而是蜻蜓點水地帶出相關場景,讓觀眾自行體會同志在面對領養議題時,心中也懷抱著與一般夫妻擁有的愛與憧憬。

有趣的是,《Instant Family》在描繪日常生活的關係外,也將學校、輔導中心及法庭等真實生活會面對的情況寫入劇本,而且導演都以一種輕鬆喜感的方式去描繪這些嚴肅場景,爆笑之餘又不失說服力。

演員方面選角精準。Mark Wahlberg與Isabela Moner繼《Transformers: The Last Knight》後再度飾演父女,關係稍微不同,但依舊有火花,加上Rose Byrne一貫拿捏精準的喜劇節奏,單看他們三人就足以值回票價。配角方面陣容也很強,Octavia Spencer、Margo Martindale及Julie Hagerty等老戲骨都發揮了搞笑功力,讓電影處處都有藏不住的笑聲。

今年第一部期待回饋比值高的電影。

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《王子眼疾》影評:《Escape Room》

近期上演的《Escape Room》,其實正好撞名了1年半前的另一部電影。但後者類型屬於B級片,格局較小,偏向青春男女之間的情感糾葛,影迷原本的驚悚高度期望,換來了不符預期的觀感,導致票房口碑都失利。

2019年版的《Escape Room》,從製作到行銷格局都龐大許多。原本以為只是單純的密室逃生電影,但結尾留下的伏筆,明顯地片商看好此片潛質,有信心讓它成為暢銷IP,如《Final Destination》般打造成驚悚系列片。

看完電影後,平心而論分數不差,無論從設計密室的解題,人性之間的角力,再到整體呈現的視效臨場感,所有拍攝手法都符合SOP。

緊湊、新奇、驚險。

在人性設計部分,電影都為每個角色打造不同的背景故事,將每個人的傷痛都巧妙融合在劇情中,雖然有者稍嫌牽強,但不失顧慮之心。後來看完整部片子後,才了解這是為了續集而要有的角色厚度。

所以與其說電影要想打造《Final Destination》系列,倒不如說故事設想結構更偏向《Hunger Games》——在角色上盡量多元化,融合不同種族;每個角色都有不同的故事背景,而非淪為只是湊數死亡的蒼白配角。

這點算是值得鼓勵。至少比較另一部類似密室逃脫的《Maze Runner》,這部的人性處理部分較用心。

不過,在解題過程中稍顯太過理所當然,很多謎題都在短短幾分鐘內就找出答案,拆解過程太快,少了懸疑的意味。

或許,導演本來就志不在此。他只是想藉著懸疑的密室逃脫概念,拍一部在視覺與精神上衝擊的驚悚片。當最終選擇驚悚大於懸疑,或許會滿足一批志在看恐怖片的觀眾,卻會讓抱著偵探精神預期的觀眾失落。

另外,在後面完成遊戲部分也處理太草率,當大魔王出現時,原本應該有的真相高潮,卻因為選錯演員而導致張力驟失,間接讓結尾的劇情變得平淡,說得再多都顯得牽強,可惜了前面不斷擠壓的緊湊。

全部採用二線演員,而且幾乎都是電視演員,演得稱職,卻少了角色獨特魅力。不過,電影整體爆米花效果仍達標。別太計較邏輯深度,當作一般爽片,就能值回票價。

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