《王子眼疾》影評:《Mary Poppins Returns》

比起其他經典電影的延續篇,《Mary Poppins Returns》的開拍難度較吃力不討好。

不像《King Kong》或《Superman》同為特效片,這兩者都有著明顯的角色形象,任憑歲月再怎麼更迭,怪物與超人在任何時代都有著同樣的語言標記。

Mary Poppins則相對保鮮度短。 雖然她曾紅極一時,是六七十年代的文化影像Icon,不過電影劇種並非是每個人都能接受的歌舞劇,角色壽命自然也有壽命期限。

因此,當相隔快要一甲子後才決定翻拍,無論是期望撈取老影迷情懷資本的考量,或向老電影致敬的動機,這兩種都不算理智。退一步想,或許透過原生角色,再注入更多當代社會的情境議題會更有趣。

但這部片都沒這麼做,反而還延續著老電影的故事脈絡,將年代設定在原先電影年代背景的20年後(100年前的經濟大蕭條時期),這種企劃動機,說好聽勇氣可嘉,現實點則是過於冒險。

或許,出品單位是迪士尼,也只有迪士尼能用這種方式出招。畢竟身為目前美國最大影業工廠,他們擁有神級般的資源,鋪天蓋地且催眠式的宣傳管道,就算在院線無法擊中觀眾,他們仍有辦法將資源回收在小熒幕,並用捆綁式的行銷手段繼續販賣給家庭。

所以,當市場利潤憂慮壓至最低後,就算此片的題材不太接地氣,也就無所謂。

照理說,既然沒有太多商業考量,電影劇本理當很精彩。不過看完後仍有點訝異,電影設定的觀影對象看似小孩,但真正目標仍鎖定在有看過老電影的觀眾。

扣除經典的拿著雨傘從天而降的鏡頭外,電影對角色的性格塑造,2D與3D動畫的穿插,還有各種呼應老電影的對白,很多時候都暗藏著許多年代密碼,讓沒看過老電影的影迷可能會不時搔腦門。

當作新電影來看的話,一切又變得較為童趣平淡。從孩童的視角出發來說一個大人遭詐騙的故事,不算太說教,但顯得兒戲,讓人有種一直在看兒童台故事的感覺。

加分的是配樂與插曲。譜曲方式與這幾年的歌舞片較不同,每首都有明顯的主旋律,創作手法偏向古典,即旋律形式大於編曲。迪士尼能有這樣反潮流的堅持,不輕易隨波逐流,在這個年頭算是功德無量。

Emily Blunt依舊是消化各種類型片的高手。她看似發揮度不大,實際上這種喜劇考驗的是外型下微妙的舉手投足,也就是塑造型格大於情緒流竄。相比她去年在《A Quiet Place》中情緒大起大落的演出,你就知道這部她收得有多好,討喜又不失性格。再配上三個逗趣小孩的演出,這部片仍不失歡樂,算是對得起老電影的傳承感。

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《王子眼疾》影評:《Aquaman》

跟其他改編自漫畫的超級英雄電影一樣,我並不會針對《Aquaman》的劇情去討論是否合理或失實,因為這樣的討論毫無意義。

超級英雄電影就應該有一套專屬的詮釋系統,套句電影公司的話就是特定的 “ 宇宙觀 ”。所以,若要討論電影裡裡的邏輯問題,就應該回歸到原創漫畫本身。

電影只是一個翻拍工具,將原本另一個媒介的東西轉述出來。因此,與其與討論超英電影的劇情合理,我覺得如何將漫畫精神透過影玩出風格更有意思。

對我而言,把DC這幾年的成品攤開來看,《Aquaman》無論在執行度或完成度來說,含金量都偏高。它不僅將原著的脈絡清楚交代,在改編的手法上也加入導演的巧思,在商業大片中偷渡了一些個人藝術偏好,尤其DC在這部承載著 “ 只許贏不許輸 ” 的壓力,已經不容易。

其中最讓我驚豔的是配樂。

有別於其他超英電影都會使用的管弦樂及搖滾嘻哈,這部電影竟然有些罕見的80年代New Age曲風,搭上超現實絢麗的海底世界視效,很多人都說有種難以解釋的虛幻感,其實就是這種配樂暗地裡幫忙催眠。

New Age原本是一種偏向心靈探索的清新音樂,但本片卻故意在電子琴為基調的配樂上加強復古元素,偶爾誇大了弦樂的節奏,這樣大膽的運用,算是超英電影裡的首見。

這是最大的驚喜。另外,我想談談導演的創作手法與動機,尤其知道James Wan為了縮減預算,透過許多攝影巧思來借位製造出水底世界的效果後,比起Michael Bay(變形金剛的導演)之類的導演,我情願票房之神站在James這裡。

當然不是因為他有馬來西亞血統的關係,而是比起以前,在面向更全球化的現在,好萊塢導演擁有的預算空間更大外,許多拍攝手段都傾向依賴綠幕來呈現。

所以,當擁有大片資源的導演願意跳出舒適圈,用一種更真誠卑微的態度去面對拍電影這回事,並不斷用傳統的方式製造出高視效的觀影經驗時,這就是回到了《Avatar》技術成功前看特效片都有種期待的年代。

那是種說不出的純粹感動。

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當然,綠幕的發明是個劃時代突破,但當James願意用一種更貼近電影核心價值的拍攝手法,去挑戰完整一部視效稍微欠缺就足以毀了整部電影時,對這份堅持我是非常感動。

除了這些外,整體敘事流暢,運鏡及場景設計漂亮,演員也稱職,關於《Aquaman》的整體成績,對我而言已經無需再雞蛋裡挑骨頭。若真要挑剔,我只能說對白偶爾還是略顯不夠精簡,說教意味偏高,稍微與水神的梟雄感有衝突。

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《王子眼疾》影評:《Instant Family》

美國典型溫馨小品,比預期中好看。

《Instant Family》拍攝手法平實,但劇本處理得出色,對白幽默且松弛有度,不僅透過領養帶出家庭觀,也趁機好好修理了美國遍地的種族與階級歧視。

核心價值很簡單——领养家庭是否能拥有如原生家庭的爱?

一對美國白人夫妻受到家人刺激,一氣之下,決定領養了三個南美裔小孩的故事。美國典型商業片拍攝手法,從相處矛盾到大團圓結局的符合預期套路,但對白生動幽默,角色有趣,加上裡頭除了探討各種家庭價值與教育課題外,也體現部分文化差異及平權問題,不時還讓人笑中帶淚。

過去幾年的家庭倫理電影常有個弊病,稍不留心,就會把原本要傳遞的訊息淪為說教——自以為是地站在道德高位講述大篇幅道理,叨叨絮絮,卻少了真誠;或在快結局時將混亂的劇情硬生生掰正,流於形式,邏輯性也欠缺,導致觀眾少了代入感,也漸漸地厭倦這類片子。

《Instant Family》的拍攝手法其實也沒有太創新,起承轉合幾乎都按著過往好萊塢的家庭劇模式。同時,電影偶爾有斷裂感,在劇情銜接部分並非太過流暢。

慶幸的是,電影的細節處理不俗,補強了上述的敘事節奏。同時,內容描繪不失深度,無論是主角一家人的磨合過程,或其他配角的生活模式與價值觀,都深刻地表達了不同的觀點與立場,讓電影透過各種正負面的互動表現,具體地呈現出時下美國中產階級的生活面貌。

其實,當看到導演與編劇的名字是Sean Anders,心裡不免有點擔心。他以拍攝喜劇為主,但每部片子幾乎都走低俗路線,與其說想博君一笑,倒不如說是挑戰智商的鬧劇。所以對於他這部作品,我根本不敢期待。

但沒想到這部作品他拍得異常感人,雖然中間不免仍有一些難消化的笑料,但整體而言節奏與內容相輔相成。或許這部片改編自導演的自身經歷,也或許是因為有男主角Mark Wahlberg的合力監督,所以才讓電影在商業元素與紮實內容方面取得良好平衡。

最值得鼓勵的是,電影不再只是探討領養與親生誰比較重要的老掉牙課題,反而透過許多孩童視角,讓成年人去感受領養小孩內心的不安全感與恐懼。很多時候他們並非抗拒領養家長,而是害怕在打開心接受新的寄託後,後者卻又在某個時候令他們失望,讓他們再度成為棄養孩童。

同時,戲裡頭也不排斥討論同志領養家庭的議題。電影並沒過分美化或醜化,反而是蜻蜓點水地帶出相關場景,讓觀眾自行體會同志在面對領養議題時,心中也懷抱著與一般夫妻擁有的愛與憧憬。

有趣的是,《Instant Family》在描繪日常生活的關係外,也將學校、輔導中心及法庭等真實生活會面對的情況寫入劇本,而且導演都以一種輕鬆喜感的方式去描繪這些嚴肅場景,爆笑之餘又不失說服力。

演員方面選角精準。Mark Wahlberg與Isabela Moner繼《Transformers: The Last Knight》後再度飾演父女,關係稍微不同,但依舊有火花,加上Rose Byrne一貫拿捏精準的喜劇節奏,單看他們三人就足以值回票價。配角方面陣容也很強,Octavia Spencer、Margo Martindale及Julie Hagerty等老戲骨都發揮了搞笑功力,讓電影處處都有藏不住的笑聲。

今年第一部期待回饋比值高的電影。

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《王子眼疾》影評:《Escape Room》

近期上演的《Escape Room》,其實正好撞名了1年半前的另一部電影。但後者類型屬於B級片,格局較小,偏向青春男女之間的情感糾葛,影迷原本的驚悚高度期望,換來了不符預期的觀感,導致票房口碑都失利。

2019年版的《Escape Room》,從製作到行銷格局都龐大許多。原本以為只是單純的密室逃生電影,但結尾留下的伏筆,明顯地片商看好此片潛質,有信心讓它成為暢銷IP,如《Final Destination》般打造成驚悚系列片。

看完電影後,平心而論分數不差,無論從設計密室的解題,人性之間的角力,再到整體呈現的視效臨場感,所有拍攝手法都符合SOP。

緊湊、新奇、驚險。

在人性設計部分,電影都為每個角色打造不同的背景故事,將每個人的傷痛都巧妙融合在劇情中,雖然有者稍嫌牽強,但不失顧慮之心。後來看完整部片子後,才了解這是為了續集而要有的角色厚度。

所以與其說電影要想打造《Final Destination》系列,倒不如說故事設想結構更偏向《Hunger Games》——在角色上盡量多元化,融合不同種族;每個角色都有不同的故事背景,而非淪為只是湊數死亡的蒼白配角。

這點算是值得鼓勵。至少比較另一部類似密室逃脫的《Maze Runner》,這部的人性處理部分較用心。

不過,在解題過程中稍顯太過理所當然,很多謎題都在短短幾分鐘內就找出答案,拆解過程太快,少了懸疑的意味。

或許,導演本來就志不在此。他只是想藉著懸疑的密室逃脫概念,拍一部在視覺與精神上衝擊的驚悚片。當最終選擇驚悚大於懸疑,或許會滿足一批志在看恐怖片的觀眾,卻會讓抱著偵探精神預期的觀眾失落。

另外,在後面完成遊戲部分也處理太草率,當大魔王出現時,原本應該有的真相高潮,卻因為選錯演員而導致張力驟失,間接讓結尾的劇情變得平淡,說得再多都顯得牽強,可惜了前面不斷擠壓的緊湊。

全部採用二線演員,而且幾乎都是電視演員,演得稱職,卻少了角色獨特魅力。不過,電影整體爆米花效果仍達標。別太計較邏輯深度,當作一般爽片,就能值回票價。

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都是好風景

前往頭城休閒農場的路上,經過一片海。

灰白雲層,將整個海岸線映成冷色調。偶有幾束陽光從天穿透,但落在高濕度的海面上,也模糊成一片霧氣。

今天的海浪有點脾氣,在海岸線上任性著各種姿勢。稍不留心,絕對不會發現在石礁上,安靜地站著各種釣魚客。

他們零星垂釣,各自為政;一看就知道,一時半刻絕不會放軟身軀,直到釣竿有動靜。

望著各人的專注模樣,我嘴角一彎——這不就是大家這幾天的創作狀態嗎?

釣生活。釣題材。釣靈感。

在面對創作時,大家彷彿成了一座孤島,隔著一小片海,安靜地互不打擾。

我喜歡看每個人釣靈感的過程。在當下,大家彷彿都卸下武裝,退回了最有安全感的姿勢。

有人多喝水,期盼H20能化成衝擊腦細胞的小分子,只求靈光乍現。

有人咬手指,彷彿是場跳乩的儀式,只求文昌星上身,下筆如有神。

有人邊寫邊哼歌,有人躁動得四處亂走;有人一動不動得彷彿沒了呼吸,有人卻慌將眉頭皺成了一條山谷窄軌。

萬般姿態,只為了垂釣更美麗的靈感;這追尋的過程,可能滿載而歸,也可能一無所有。但身為垂釣者,在創作的路上,注定孤獨地,自由地,執意地追求。

但只要魚竿晃動,釣起靈感一尾,那時手指輕了,連呼吸都會陶醉。

站多久,都值了。

這是我愛看的的風景。當然,還包括台灣濃濃的人情味。

在社會打滾幾年,早已深知不是所有相逢都是美麗,所以在交新朋友方面,總會不自覺維持著安全距離的密度。

但這幾天的萍水相逢,卻讓人感受到一種久違的溫暖,一種讓人不自覺卸下防備的初心。

有種原始純粹的遼闊感,在每日熱情接待的新朋友中。無論是到哪個地方出任務,或大夥無聊閒時打屁,都有歡笑陪伴。

每個人都願意打開心扉。在認識對方時,也都在自我了解;這些都化成隱隱的摩斯密碼,重新在試探心靈水流。

我每天都在啜飲著濃濃的人情味,一種不真實得讓人想捏臉皮的幸福。那是多少人求之不得的福氣,我何德何能,竟可天天享有。

雖然短暫,足矣。除了反复感恩,我早已想不出更好的回饋。

都是好風景。記2018年美好的夏末初秋。

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與時代拔河

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吳鴻銘的命運與養殖的鮑魚有點像,不約而同地,卡在時代的轉型中。

先說說鮑魚業好了。

客套點,這是個高價值經濟的產業。隨便上一家餐館,一顆鮑魚的市價,絕對會讓已分泌的唾液在看到標價後,硬生生又默默回吞。

難聽點,這是沒人要接手的夕陽產業。作為全台灣最大的鮑魚生產區,福隆目前從事鮑魚養殖業的勞動人口,平均年齡都在60歲以上。台灣的鄉下少年郎啊,個個都嚮往炫目摩登的都市生活,每個人離開小鎮後,轉身就成了陌生過客。

怪不得他們,誰叫個個鮑魚公主都難搞。

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照顧她們要無微不至,早晚貼心呵護還不夠,最怕是經不起老天變臉;任何一個異動,風浪稍微兇,身矜肉貴的鮑魚,都會驚慌失措。就算不被石頭壓死,也會被自個兒的心臟凌遲。

每位都有公主病,天天都是鬼門關。能僥倖活到兩年,已是人間的七八十歲。這份好不容易,豈能沒有抬高身價的道理?

但作為吳鴻銘的仁和鮑魚,命又更苦些。

身為良心事業,這裡採取直接跟大海連接的養殖方式,水門如城門,跨入養殖的城區內就猶如高尚住宅區。吃住上等,住的每塊石頭都經過精心挑選,而且彷如大理石打造,一堆一砌像是凡爾賽宮,讓每位鮑魚小姐都能在白天安穩地躲在宮中修養,待深夜時分,才懶洋洋地攜伴出宮,攤在石頭上悠哉吃綠藻賞月光。

這種嬌生慣養的貨色,自然也要配合豪門價才能入口。

只可惜,時不予台鮑。對岸的鮑魚集團被東南亞列為拒絕來往戶後,前幾年改弦易轍,決定轉攻台灣。

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儘管都是俗艷小妞,發育過程早熟,平時又擠在高密度組屋,口感吃起來自然無法與上流社會的黃花閨女相比,但中國牌的抄底低廉價格永遠都是催眠劑,讓大多數食客情願委屈味蕾,也不願傷了荷包。

面對國內外價格競爭,肯付高價的吃貨老饕又日漸稀少。你說,仁和的鮑魚能不心累嗎?

但說起吳鴻銘,上述的委屈似乎不算什麼。

他是個高材生,4年前在高雄醫學大學藥學正苦讀博士學位第五年。但父親一聲要人繼承家業,他就毫不猶豫回家幫忙。原以為只是待個一兩年安頓妥當,就能繼續回校唸書,沒想到一做就離不開;一離開,老家或許就散了。

他有個大哥也在老家,但哥哥沒興趣養殖,只想平淡教書過日子。他看著固執的老爸,嘆了一口氣,只能將自己的醫學夢埋葬,決心好好搞好鮑魚養殖場。

身為門外漢,只能從培育、養殖到行銷都重新學習。這些都還好,苦的是自己並非孫悟空,無法學會分身術。從場內外到行銷,他一人都要穩妥兼顧。再怎麼樣的青壯年,天天日曬雨淋,最終都還是無法倖免,被歲月耗損成一個沉默寡言的黑漢子。

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但他還是沒有埋怨。“能每天跟爸媽吃飯,就是幸福。 ”他說。

不過,對家的依歸還是無法填滿對未來的不安恐懼。吳鴻銘坦承,養殖鮑魚業其實不知道能撐多久。當商機日漸稀釋,體力也無法負擔時,可能就是自己轉身離開的時候。

“可能回去當個上班族吧。”他淡淡地說。隻字不提醫藥的夢;那非一般人隨手可摘的榮譽。

今年是吳鴻銘的第三個本命年。他不多話,認命任勞,孝順愛鄉。

他正努力與時代拔河;可惜的是,時代可能不站在他這邊。

 

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《王子眼疾》影評:《A Star Is Born》

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我喜歡《A Star Is Born》的燈光設計。像是情緒溫度計,紅藍黃白地說著各種心事。

當Bradley Cooper為了等Lady Gaga而上台唱歌打發時間,舞台上的側光,像是一場神聖的沐浴,讓Lady Gaga種下了情愫。

當Bradley Cooper帶著Lady Gaga走進酒吧,互相第一次攤開心房。吧台橘紅色的燈光,對映著兩人相見恨晚的激動火熱。

當Bradley Cooper臨時邀請Lady Gaga站在舞台演唱「Shallow」時,忐忑走出來的Lady Gaga,投射到是緊張的紅色燈光。直到漸入佳境,情緒鎮定且揮灑自如後,舞台也轉為一種冰鎮效果的深藍色光。

當Lady Gaga去戒酒中心探望Bradley Cooper時,看似自然採光,實際上鏡頭鋪了一層溫暖色系的黃光,體現出兩人在經歷考驗後,決心攜手重新出發的共識。

最後Lady Gaga在舞台上演唱歌曲哀悼Bradley Cooper時,又是回到一種純白無暇的聖光——傾述著對死者從一而終的愛,也呼應著兩人一見鍾情時的初心。

關於《A Star Is Born》,我的喜歡程度沒像看到《Lala Land》時激昂,觸動也不多。但必須承認,它是一部好電影。

扣除一些剪輯上的疑慮(本地電監局究竟下了多少刀不清楚,因此不願先把罪名歸咎在電影),以Bradley Cooper第一次執導的功力來看,熟練之餘又有想法。能將已翻拍幾次的老片仍拍出新意,算是展現了導演的天分。

對1976年的《A Star Is Born》印象模糊,那是10多年前看過的電影。當時年紀還小,印象中除了首首動聽的歌曲外,還有很多情色纏綿的場面。

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故事方面幾乎與新版差不多,都是男主角發掘女主角後,兩人面臨的重重考驗,最終男主角自殺,女主角在舞台上唱歌哀悼。

翻拍故事的結構其實沒什麼好挑剔,幾乎都是照著舊版來拍,充其量只是對白變得更時代感。

我喜歡Bradley Cooper的自覺,懂得把導演與演員的身份分開。許多自導自演的演員有個毛病,就是會把所有最好的燈光與鏡頭留給自己,像是眾星拱月般,搶不到最佳導演也好,至少也要撈個最佳演員才甘心的企圖。

但Bradley Cooper沒有這個問題。2小時的電影,幾乎四分之三的資源他都沒偏心留給自己,反而把大部分主要鏡頭鎖定Lady Gaga,直到最終自己崩潰時,鏡頭才開始貼得比較近。

這種懂得跳脫並顧全大局的態度,值得加分。

配樂與歌曲方面不用再贅述。從現在傳唱度高的情況來看,入圍奧斯卡最佳歌曲及最佳配樂,甚至是最佳音效也不無可能。

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尤其電影裡頭的演唱會情況,是真實演唱會取景,非綠幕結合打造。現場收音與剪接部分不容易處理,但電影裡讓人舒服享受的聽歌環境,證明了音效組的辛苦用心。

還是那句,還沒有看到完整版之前,剪接的問題暫且不談。不過,就算是有些非情色因素而有剪接跳脫的情況,對我來說問題倒不大。尤其在後面部分,跳接的情況頻頻,但不影響劇情論述。

或許,這是導演要暗示的一種意識流,一種男主角思緒開始失控的視角。

我大膽預測,Bradley Cooper與Lady Gaga都可憑這部片提名金球獎音樂類最佳男女主角。

對我而言,兩人外型不襯,尤其Lady Gaga的外型在素顏下,的確有種她在裡頭說的「鼻子太大」的突兀感。但隨著劇情展開,兩人的甜蜜互動能說服到我。雖然比起舊版的纏綿差了許多,但兩人貴在就算沒太多親密動作,彼此的歌聲與眼神都穿透出一種惺惺相惜的愛。

尤其最後Lady Gaga舞台上幾乎唱完歌時,畫面突然切到Bradley Cooper談鋼琴續唱的鏡頭。

嗯。圓滿了。

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