《王子眼疾》影評:《Godzilla: King of the Monsters》

單純以視覺效果而言,《Godzilla: King of the Monsters》絕對是那麼多版本中最出色的。

無論是裡頭哥斯拉或其他怪獸的造型,或正邪激鬥的場面,絕對會讓觀眾刷新哥吉拉系列電影的視野。尤其透過無死角的運鏡,讓各種怪獸能流暢地完成史詩式的登場動作,無論你是否對哥吉拉熟悉,都絕對會被裡頭暴走盲鬥的互尬場面震撼。

但好看程度,僅此而已。

說白點,動作場面是這部片最好看的地方,一旦回到文戲,劇本紮實度薄弱得可笑。無論是從角色設計、劇本走向到對白,每處都透露出編劇的天真。

再嚴苛點,這部電影彷彿把99%預算都用在特效與製作,1%只留給劇本——或許是要符合戲名,把好看的戲都留給哥吉拉,才會讓怪獸出場的畫面都風風火火,回到演員身上時卻淒淒慘慘,毫無生命力之餘,邏輯也勉強得可笑。

與其說是一部電影,倒不如說是一部「哥吉拉與眾科學家的紀錄片」。

其實看到片頭時,就對劇本有點擔心。中資大剌剌地成為重要的資方(2014年時的哥吉拉版是模板),就知道安排東方演員擔任要角是重點。

儘管,這次的章子怡好過景甜,但平心而論,她飾演的角色功能,其實完全都可以集中在去年奧斯卡影后入圍者Sally Hawkins身上,而不需要特別打造另一個角色——噢,是兩個章子怡,讓裡頭的角色設定變得混亂又不集中。

由於投資策略考量,因此安排不同膚色的種族輪番出場,但稍微敏感者都可留意到,只要是群戲,鏡頭帶得非常不自然,很多戲變成是「公平分配輪流發言」,而非劇本的需求按分量發言。

這樣處理讓每場戲淪為「聯合國發表大會」,不僅拖慢了電影的節奏,也壓制了演員的表演力道,害他們變成了無生命力的對白機器。

同時,劇本的核心價值也讓人失笑。雖然電影承接自2014年的版本,但作為平衡地球任務的哥吉拉為何站在人類這邊,動機書寫仍不夠明確。就像裡頭女主角說的,人類其實才是破壞地球的最大禍首,若哥吉拉有靈性,基本上就應該是站在人類的對立面。

但電影並沒有解釋哥吉拉保護人類的原因,這只神獸在某場戲甚至還近距離怒視人類,幾秒後卻又悻悻然離開。若遲進場的觀眾看到這幕,還以為是走錯了廳,看到《Pokémon Detective Pikachu》裡與人類做起好朋友的神奇寶貝呢。

裡頭想要探討一些環保議題(處理的手法竟然與《Avengers:Endgame》不謀而合),但都說得天真,一切彷彿都是教科書的口號宣導,並沒有深入更多核心價值去探討,讓觀眾只能透過反派不斷催眠自己是蛆蟲,卻無法深刻建立出一種能看到完整脈絡並深深反省的思考點。

撇開這些不說,在動作場面而言,嚴格來說也都乖離了物理學與邏輯。

其中,怪獸打鬥時對四周的震動,照理來說這種體積的影響絕對是驚天動地,但裡頭的演員依舊能不受影響,繼續好好演該演的戲,彷彿打架的只是神奇寶貝,多神奇。

快劇終時的戲描繪得最可笑。從男女主角到打鬥現場找回女兒,最終按照線索尋找時,這段戲堪稱是「有綠幕好棒棒」;那邊怪獸打得亂七八糟,這邊則繼續按自己的節奏找人,似乎完全都不在同個場景演出的感覺,只能有種「活在高科技時代真好」的讚歎佩服。

演員都可惜了。在預告片時以為有驚艷表現的Millie Bobby Brown,在電影裡靈氣盡失。她在這幾年叫好叫座的美劇《Stranger Things》裡光頭演出一個超能力女子,這部電影是處女作,但礙於劇本太糟糕,導演教戲與剪接也平凡,讓她淪為一個只能按動作完成演戲指令的小女孩,甚至有幾場原本要發揮演技的特寫鏡頭,也因為劇情邏輯節奏而變得莫名怪異。

噢,不只她,應該是所有演員都如此。就連Vera Ann Farmiga的認真演技,看起來卻有種回到《Conjuring》系列演出抓鬼的靈異感。

歸類在爽片絕對沒問題。不過若你認真要帶著理性思考入場,請謹慎。

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《王子眼疾》影評:《Crawl》

表面上來說,《Crawl》看似無劇情。但恰好是這種零劇情的設定,讓觀影過程像走入迷宮,有種無法預料到出口的探索刺激感。

對我而言,這才是災難片拍得好的精髓。

當然,說《Crawl》無劇情是種「外行的調侃」。表面上看似主角與一群鱷魚搏鬥逃生,實際上過程卻經過慎密的設計。若這部片真的沒劇情,純追求驚嚇的效果的話,最終只會像一部破綻處處的鬼片,讓原本驚悚的調性瞬間壓扁成乏味。

《Crawl》精彩在於逼真的還原,以及打破傳統敘事節奏的嘗試。

先說後者。劇本的發想架構建立在一個擁有心理障礙的女生,最終如何突破自我的過程。而大鱷魚猶如她的心魔,讓她與鱷魚搏鬥的過程中,最終能透過冷靜的判斷,加上自我超越的體能,逃出困境。

這個寫法猶如許多好萊塢B級片,不算特別,但在書寫支線部分有驚喜。其中,在主角陷入困境時,遇到幾個能夠拯救的角色,若在典型好萊塢災難片,這些人的出現就像是救世主,會間接或直接幫助主角脫離險境。

但在這部電影裡,對這些配角的戲份設計竟異常「殘酷」,三兩下就讓他們犧牲,「給予希望」的時間線超短,打破對災難恐怖片的熟悉節奏,也間接埋下了對電影之後「不規律節奏」的緊張期待。

慶幸地,導演並非只是在開頭玩這類反轉噱頭,而是耐著性子將這種出其不意的調性承接到結局,無論是鱷魚出現的節奏,或是主角逃難的過程,都偏離了一般觀影的預設軌跡。

尤其對越熟悉這種片型的聰明觀眾,導演越下狠藥乖離觀眾想像;越不該被咬的地方,導演就讓鱷魚狠狠攻擊,這才讓電影有了更逼真的臨場感。

所以,去討論這部片是否有邏輯,鱷魚的習性是否如此嗜血,就間接喪失了觀看這部片的樂趣。誠如片名,電影乾脆地闡述一個在颶風侵襲時,被鱷魚包圍時如何逃生的故事,直接傳遞一種販賣感官刺激的訊息,因此要從裡頭找深度談大道理的話,其實你就不是本片要瞄準的觀眾群。

而我說的還原真實,並非在於鱷魚的真實脾性,而是在於背景設定的封閉空間內,那面對恐懼時如何克服與逃脫的身歷其境感。

至少從暴雨如何侵襲,主角從被困到脫困的過程中,所有場景與情節設計都符合人性,而非擁有許多自圓其說的神奇逃脫術,甚至在面對鱷魚攻擊時,主角也無法倖免遭殃。

由於故事安排得當,加上剪接與場景調度設計上乘——尤其一場浴室內引誘鱷魚攻入的片段,看起來有點荒謬,卻又拍得非常流暢自然——才讓只有短短90分鐘的電影看起來猶如過了一個世紀。

別再說這部電影的鱷魚很扯。當你看過去年上映的泰國電影《The Pool》,劇情描繪一名男子與鱷魚共處一周卻相安無事時,你就知道這部片的說服力已算神級了。

當然,還是多虧Kaya Scodelario與Barry Pepper的精彩演出。尤其是前者,演技比起《Maze Runner》時期更有層次,未來就算依舊登上各大美貌排行榜,也不會落得只有虛有其表的評價了。

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《王子眼疾》影評:《Once Upon a Time in… Hollywood》

作為影迷,我當然希望Quentin Tarantino是宮崎駿,斬釘截鐵說隱退,幾年後又忍不住技癢,食言復出。

但Quentin Tarantino看來是個鐵錚錚的男子漢。作品裡充滿厚重的陽剛味,就連女人打起來也像漢子,重諾義氣掛帥,說今生只拍10部電影的誓言恐怕會兌現——噢,想起了同樣還剩下一部作品的五月天。

那拍到第九部作品,以人性層面來說,大多數人都會選擇更轟轟烈烈,或精益求精,只有不爭氣的怪咖才會走入「人之將死,其言也善」的境界。

但Quentin Tarantino就是不折不扣的怪咖。

看完《Once Upon a Time in… Hollywood》後,不懂是就快封刀的惆悵,或年紀漸長的感慨,難得看見了Quentin Tarantino的溫柔與抑制。同樣有黑色幽默,但暴力血腥大幅淡化;同樣有嘲諷意味,但歌頌正面的意境相對更多。

Quentin Tarantino變得有點陌生,劇情的浪漫隨興鋪寫,鏡頭的委婉緩慢,甚至是角色的描繪方式,都不像是他過往擅長的風格。

或許,這部寄意60年代好萊塢的電影,是他最美好的憧憬年代;也或許他對真實世界的受害女演員Sharon Marie Tate遭遇非常同情,因此放棄了過往厚重的潑墨手法,改用淡跡輕輕勾勒,扭轉了真實結局,重塑觀眾的記憶,某程度上也算為為這個女演員超度積福。

不過,從《Inglourious Basterds》到《Django Unchained》,就看出Quentin Tarantino的編劇方向都以真實歷史作為背景,惟篡改了主角的人生遭遇,讓觀眾多了另一種平行時空的想像,這或許也是他故意製造的一種黑色幽默。

說回《Once Upon a Time in… Hollywood》。童話故事般的片名,日記式的娓娓敘說,就看得出Quentin Tarantino為這部電影定下的浪漫基調。儘管,不到最後仍不知他究竟葫蘆裡賣了什麼關子,但看完後再看回片名,就知道這次他的確是放下屠刀,純粹佛心地為60年代的好萊塢打了一場齋。

溫馨提醒,觀影之前一定要先了解真實事件的經歷——1969年8月9日,當時的邪教組織曼森家族領導的犯罪組織,闖入Sharon Marie Tate的住家,將她及其他4位朋友殘忍殺害,而當時這名女演員還懷有8個半月身孕——知道這個事件後,你才能看出趣味之餘,並感受到那隱隱藏著的不安與恐懼。

否則,你應該會從中段就瞌睡連連,覺得Quentin Tarantino故弄玄虛,不知所云,甚至不明白這部沒高潮起伏的電影為何要堅持2小時多。

對我而言,電影最好看的是時間的延綿,而這份拉長感來自於人物移動的動線。

無論是三大主角Leonardo DiCaprio、Brad Pitt或Margot Robbie,或者是配角如嬉皮一族,每個人一旦有點對點的移動,攝影師都幾乎用長時間來捕捉這些鏡頭。

無論是走路、開車或騎馬,這些看起來很瑣碎沒意義的事,卻佔了電影不少的時間。估計導演是希望透過這些生活鏡頭,來投射出從前凡事都慢活的向往。

這種情調與情懷的刻意營造,對不斷想追踪劇情走向的觀眾或許是種折磨。但我挺喜歡這種漫不經心的鋪敘,彷彿這已經不是一部電影,而純粹是一種回憶錄的偽紀錄片。

故事主幹挺無趣,反倒是導演用了更多心思在設計人物細節。每個角色看起來單一扁平,暗地裡卻融合了不同的個性反差,而這些原本能逆轉劇情的特質,卻又只安分地發生在角色的自我對話,不影響劇情走向。

要如何確保角色活出生命力,卻又不讓他們壓制劇情方向,這樣的拿捏難度其實很高;而這就是Quentin Tarantino依舊寶刀未老的地方。

例如Leonardo DiCaprio是過氣的電視劇男星,看似滿嘴粗口又自尊心強,很多事情不斷交給替身去應付,私底下卻異常看重自己的演藝事業,回到家會認真背台詞,在片場會對自己的失誤抓狂,將高度重視演藝事業的精神放在這樣一個看似漫不經心的角色身上,其實就很好看。

Brad Pitt則是擁有殺妻謠言的替身。表面看起來不好惹,他卻是裡頭最豁達的人。無論是遇到任何挫敗,受到年輕女性誘惑,甚至是單槍匹馬去陰森的嬉皮家找朋友,他都顯得沉著穩重,絲毫沒有展現出人任何的暴躁與不爽。

看起來沒有原則,唯一原則竟然是與自家的狗餵食的時候。想起來讓人覺得荒謬,但這份軍事訓練最終卻成了救命關鍵。

而Margot Robbie看起來放蕩,喜歡燈紅酒綠,也常成為電影角色的傻妞。不過她一點也不笨,甚至還有高度矜持倫理,就算與舊男友常同進出,彼此也保持著純潔的友情。

這些描繪看起來都不切實際,放眼目前的好萊塢簡直是一大嘲諷,但Quentin Tarantino拍得真實誠懇,甚至Leonardo DiCaprio與Brad Pitt那段友情也鐵打得太不接地氣,或許這才剛好對應了片名的「Once Upon a Time」,這樣的開頭就像童話裡才會出現的純真美好吧。

當然,劇情還是少不了嘲諷,李小龍那段算是一個亮點。而Quentin Tarantino也把自己極力推崇的《The Good, the bad and the ugly》元素放在Leonardo DiCaprio的角色裡。若看過這部經典西部片的話,就能會心一笑導演在戲中戲裡的設計。

不得不說,裡頭的天才童星Julia Butters在那麼多巨星包圍下,依舊能搶戲。她扮演早熟的角色不僅不油,反而精準地表現出那份大小孩的精靈與世故,眉宇間甚至好像童年的Anne Hathaway。這部電影后,相信她的片約不斷。

值得一提的是,電影配樂相對少,反而音效很強。很多場戲根本沒對白及空鏡,但音效一出,戲劇感立馬蔓延。

我喜歡這樣的Quentin Tarantino。隨意之下,仍有功力。看似沒野心,實際上還是有種認真對待作品的高標。

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《王子眼疾》專欄:《X-Men: dark phoenix》

比起3年前《X-Men: Apocalypse》,《X-Men: dark phoenix》的劇本格局相對較小,卻也相對好看。甚至比起13年前三部曲的最終章《X-Men: The Last Stand》,我仍覺得這次的黑鳳凰有著叫人動容的拍攝手法。

至少在特效上有所節制。再也不是因為最終篇,而無止盡地將重頭戲都推託給特效。這可能會讓大部分為了衝特效進場的觀眾失望,但撇開這些,裡頭的一些劇本視角及場景設計的創新,是我權衡利弊後決定給予正面的評價。

自從《Avatar》開啟了全新3D視覺觀影效果後,電影業邁入了全新的繁盛期。只要有一塊綠熒幕,天馬再也不怕行空,只要想像得出來的人事物,都能完全按照腦海裡的各種大膽瘋狂,照本宣科地翻拍出來。

這樣的破格技術,讓超級英雄受益最大,由於執行技術再也不用擔心「做不到」,而是「怕你想像不到」,因此之前曾蒙塵的各種超級英雄人物劇本都重建曙光。飛天遁地從此只是雕蟲小技,能把整個星體轉移才叫驚喜。

如何能不掉入千篇一律的超級英雄拍攝魔咒,嘗試拍出新路數,是我這幾年不斷關注的方向。

這部電影雖然劇本格局小,主要鎖定在黑鳳凰個人心路旅程的修煉意義,因此間接鎖死了故事的多元性,並非像復仇者聯盟那樣分散多條支線。

從片名到片頭出現福斯的招牌標誌下躲著一隻鳳凰,就暗示著電影主軸為黑鳳凰,其他角色相對就是一個陪襯品。

所以,很多人認為角色分量分配尷尬,惟稍微轉換視角,不把這部片當成X-Men集體攻略的性質,反而回歸到黑鳳凰的個人角色塑造意義的話,尷尬的部分就變少,反倒會佩服編劇將一名等待拯救的女性角色貫穿整部電影的大膽設計。

平心而論,就算聚焦在黑鳳凰時,人性刻畫也稍顯不夠深入(更遑論其他角色)。但至少電影節奏從容不迫,撇開過去已認知的部分劇情未出現(包括之前曾留下快銀與萬磁王的父子情伏筆),整部電影並未因「終結篇」而拍得趕場。

甚至在文戲與武戲的比例部分,終結篇都會讓武戲佔了大部分,惟這部電影異常地讓文戲領先,武戲只是陪襯,這樣的設計用心我是讚許的。

另一個讓我值得驚艷的場面設計,最值得稱讚的是在後面部分。若沒記錯的話,這應該是第一部將高潮群打戲放置在夜晚的電影,也是首個將打鬥動線設計在走動的物體(火車)上。

要知道,夜晚的場面打鬥電影處理比白天難,除了要控制光線外,單是設計動作的流暢度與鏡頭的配合,技術執行就不太容易。同時,在走動的物體上拍攝也面臨同樣的問題,尤其是如何讓速度感與打鬥激烈感互相拉抬,讓觀眾看得精彩,也考功夫。

但這部電影至少敢於如此創新,看到這幕時,已讓我決定給這部電影不錯的分數。

當然,電影最大加分因素來自Hans Zimmer的配樂。在這部主要探討童年創傷陰影的電影——它比較不像之前X-Men電影般討論身份認同地位與歸屬感——Hans的配樂多了很多想像空間,操作方式甚至有點像是《Logan》,給了一個英雄悲愴的畫布,讓觀眾自行投射本身的童年經歷。

這部電影嚴格來說,還是有留一個彩蛋,那就是Hans的音樂。最後的字幕除了有感謝漫威之父Stan Lee與畫家Jack Kirby的隱藏訊息外,裡頭還藏著一些小孩的啜泣聲。其實,若知道福斯電影明年開啟的X-Men新篇章《The New Mutants》,就知道這算是個彩蛋。

據說,新電影講述一群年輕的變種人為了保護自己而在秘密機構中戰鬥。從預告片來看,是走暗黑路線,而這個片尾的音效設計,很可能就是對應這群小變種人在實驗室裡痛苦的心聲。

末段時,畫面除了對應以前三部曲的下棋畫面外,路牌的Rue de la Paix也是和平街的意思。而快銀在學院出現時,竟神來之筆地說出要大家「慢慢跑」,讓人會心一笑。

回顧19年的回憶,對照現實局勢的縮影,這呼籲有種不勝唏噓啊!

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《王子眼疾》影評: 《Men In Black : International》

《Men In Black : International》並不算爛片,反而更像一瓶有氣礦泉水。


外表看起來氣勢十足,粒粒氣泡生氣勃勃,但飲用後淡然無味,回甘也沒勁,只留下一個時代包裝的回憶空罐。


很多人歸咎在選角失誤。的確,同樣的黑白配,20年前的Tommy Lee Jones及Will Smith是一時之選,沒有人想到當年屬於二線的兩人,能憑藉一部科技大片奠定代表作(當年此片CG算是破格之作,當年還奪得奧斯卡「最佳妝髮」),甚至還讓Will Smith從此躍居黑人票房一哥長達10多年,當年的選角導演功不可沒。


至於自從《Thor: Ragnarok》後二度合作的雷神Chris Hemsworth與Tessa Thompson,原以為此片會延伸默契,沒想到西裝一換,頭髮一剪,兩人頓時少了某種化學作用。
我原以為歸咎在造型設計,或是兩人與此片性質適應不良的演技,後來發現真正問題在於劇本與角色設定。


或許為了延續神話,編劇才繼續採用黑白配, 並順應平權時代,將其中一個角色換成女生。這樣的概念沒問題,但忽略了一個重點,那就是「莊諧失調」。


Tommy Lee Jones及Will Smith的搭配成功,在於Tommy Lee Jones的冷面笑功與Will Smith的帥勁逗趣,兩人透過鮮明對比的個性互動,再融入各種外星人的跳tone胡鬧,才成就了一部風格強烈卻又能建立既定邏輯的新類型電影。


人物成功了,劇本的敘事節奏也會事半功倍。可惜的是,在新版的Men In Black,Chris Hemsworth與Tessa Thompson的角色調性拿捏不好。


前者搞笑功力略顯用力。或許少了《Avengers》編劇團睿智高明的台詞烘托,雷神這回依舊努力耍寶,但出來的效果卻感覺輕浮,甚至還有點廉價感。


至於Tessa Thompson的角色編寫更顯得扁平。一個從小立志要加入黑衣人的女生,加入後卻少了英姿颯爽的一面,武戲對決流於片面,文戲時格局更顯縮小,彷彿成了一名嘮叨追夢卻無實功的鄰家女子,整體角色塑造沒有加入現代感,也毫無魅力,可惜。


角色衝撞驚喜不大還可原諒,劇本的敷衍推搪才是罪魁禍首。作為重新啟動的大片,在面對眾多超級英雄片子夾攻的年代,這類外星人特效片在視覺效果上肯定佔不了甜頭(就連外星人的題材也難突圍),因此如何透過新穎角度切入,應該就是重啟的首要命題。


可惜,劇本一語蔽之——簡陋粗糙。陰謀論基調已經太老套,用5分之4片段堆疊的許多荒唐冒險,最後卻只是為了一個說不清楚威脅感的企圖(還有一段被刪除的回憶),讓人覺得小題大做。


同時,劇情邏輯也經不起推敲。若從結局往前推論,就會發現編劇在撰寫時的胡扯心虛,裡頭正邪調性不夠明確外,大多數動作場面也真是為了充場面,每場戲的轉折說服力低,讓觀眾就算吃著爆米花,也覺得索然無味。


就連在新武器與外星人的設計上,電影也沒拿出一些讓人驚嘆的新元素。一切都在預期之內,攝影與配樂也沒太出格奪目,就連反派都顯得太過逍遙,少了陰謀論背後應有的真正狠勁。
嚴格來說,這部片製作規格更像是《MIB》的前傳,雖然完整說了一個故事,但故事老,角色搭配乏味。一切不爛,惟放在現代5G都已經要全面推行的高科技年代,在高預設期待值下,毫無特色就是某種新時代意義下的爛。


話說,當年的《MIB》融入了當時正崛起的嘻哈曲風,透過一種新時代的玩鬧元素,成功讓電影擁有強烈的未來感;至於本片配樂嘛——咦,有配樂嗎?

另外,Steven Spielberg作為執行監製,去年還成功導了《Ready Player One》,證明電影鑑賞力寶刀未老。但最後到底是如何讓這部片過關的?

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《王子眼疾》影評:《Brighburn》

“ 如果超人是邪惡的,世界會變成什麼樣子? ”

《Brightburn》以這種創作念頭,拍出了 “ 黑化超人 ” 的故事。先不論電影執行結果為何,單是這樣的動機,我會特別加分,至少為這幾年極度氾濫的超級英雄電影中灑下一絲甘霖。

這種黑化的意義與《Deadpool》或《Venom》都不同。《Deadpool》儘管與傳統的超級英雄形象不同,浪蕩浮誇、滿嘴穢言,但最終關頭仍仰賴正義的觸覺行事;《Venom》在漫威的漫畫裡定義為反派,但去年上映的電影裡並沒有著墨任何邪惡因素,反而用大篇幅去描繪猛毒與男主角共存的過程,無論在劇情或精神意義上都沒宣傳廣告形容的 “ 不良 ” ,最終依舊逃脫不了這種類型片的英雄塑造方程式。

《Brightburn》至少就勇於打破這種僵局,在劇本發想上做了上述大膽的假設,進而從大家耳熟能詳的超人起源故事中,發展出一條南轅北轍的新方向。

這大膽的處理並非在於男主角的個性描繪或黑化過程,而在於結尾的處理。編劇並沒有婦人之仁,掉入敘事僵化的陷阱,讓一個擁有超能力的撒旦最終受到親情感召,懸崖勒馬走回正道;反之,男主角在 “ 尋求自我 ” 與 “ 改邪歸正 ” 的選項上,毫不猶豫地歸屬前者,看起來似乎違背常理,轉折處也有點粗糙,卻也拉開了超英A級片的新視角。打破類型片套路外,也更符合當下自媒體時代的核心意義。

因此,開放式結局看起來讓人措手不及,但各種拼湊式媒體畫面,配上Billie Eilish的《bad guy》,讓電影潛在主題凸顯,定調在實驗性質的韻味也徒增,並巧妙地把前大半段的劇情瑕疵給抹粉掩蓋。

沒錯,要不是結局的反差處理,電影的分數並沒太高。無論是人物性格的塑造,或者是劇情轉折處,描繪都略顯平凡。尤其在角色的個性上,儘管是比對超人電影的模板刻畫,但仍顯得過於平板,角色無法順載著劇情熠熠生輝。

前半段的劇情節奏也稍顯僵硬,幾乎每段轉折都變成恐怖片常有的恐嚇套路,而小男孩的演技也不夠靈動,一旦到了群戲就感受到剪接師的後製壓力。

不過,血腥鏡頭一點也不客氣。或許為了對應黑化的效力,電影在描繪各種死亡的面貌時都異常殘忍,並且在各種謀害的鏡頭上打破類型片的傳統意念(尤其是父殺子或子殺父),這點還是讓人驚喜。

電影也處處埋下與《超人》電影對應的符號,有些略顯刻意,但有些令人會心一笑,尤其最後的弒親鏡頭,凸顯了試圖毀滅舊片與重建意義的意圖,甚至在 “ 重建 ” 上,實際上也並沒設下任何 “ 有意義 ” 的意義,這樣的處理對好萊塢來說,也算是小破格。

單就這樣有種的顛覆方式,作為第一次執導長片的導演來說,就算說故事手法還不夠純熟,也足以拿下中上分數了。

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《王子眼疾》影评:《US》

拍電影與變魔術很相似,兩者都會透過一些神乎其技的花招,端出眼花繚亂的精彩表演,讓觀眾目眩神迷。

不同的是,魔術不需要解開真相,只需在舞台上完成表演,收穫台下的驚嘆與掌聲,就能功成身退;電影則不同,若只注重表演形式,佈下了許多以偽亂真的伎倆,卻沒法一一合理拆解,那最終只能淪為與魔術同溫層的娛樂品,而不能升格成更有價值的藝術品。

對我來說,《Us》有種魔術以上,藝術未滿的尷尬狀態。

到最後五分鐘為止,《Us》可說是執行完整度非常高的驚悚電影。所謂的完整度,從創意發想到電影名字,從劇本結構到分鏡圖,從場景到道具,甚至是從演員特質到舉手投足的細節等,都試圖站在比《Get Out》更遼闊的制高點,以全盤角度來打造一部言之有物的驚悚片。

這部片的確做到擲地有聲。80年代越戰後氛圍,融合聖經與天使數字的訊息,隱晦的種族分層意識,再到複製人失敗的科學實驗,短短的10分鐘開場,從電視機切到遊樂場,像是毫無相關的接續畫面,實則是暗藏著蒙太奇的對比訊息,讓觀眾見識到導演不只是要敘說一部驚悚電影,而是希望能涵蓋時事、種族、心理學及生物學等多種議題的劇情片。

從女主角一開始的遭遇,再到遇到複製人時的害怕,最終為了拯救孩子而使出的大復仇,這段過程中,懸疑與驚悚的元素相輔相成。電影迷離難辨的氛圍,瘋狂中不失寓意,成功牽引著觀眾的好奇心。

最厲害的是,故事的娛樂元素設計得到位,懂得巧妙地融入劇情細節,才讓原本是驚悚片慣用的伎倆,自動化為電影散發的情緒汁液,變得不刻意之餘,還成了裡頭荒謬的各種合理化舉動。

扣除剪刀的象徵式意義外,爸爸的追逐戰,女兒的奔跑廝殺,兒子的玩火把戲等,若剪開後放在其他驚悚電影,其實一點也不違和。可貴的是,導演Jordan Haworth Peele對商業元素拿捏得爐火純青。

自從《Get Out》好評如潮後,他更確定自己的驚悚電影定調,即透過一種詭異的“魔術氛圍“,把底牌留在最後的結局,如此就能讓所有尋常的生活片段蒙上一層霧。那就算是一般的商業設計橋段,看起來也比別人多升了幾級。

所以,無論是剛開場莫名安逸卻有股茫然的情緒,到進入片頭字幕時,對著白兔實驗籠子慢慢拉闊的鏡頭,配上多人重唱的詭異配樂(暗示了怪異複製人的節奏),這些都凸顯了導演高人一等的調度能力。

而電影中隱藏的許多謎團,若收尾安排得好的話,那這部片肯定會成為名流千古的新式驚悚片範例。只可惜,最後一個鏡頭對我而言處理得不好,即女主角轉頭對兒子笑的鏡頭——若她只是凝望兒子卻不笑的話,留下更隱晦的暗示的話,那之前所有懸而未決的問題,才有了更開放式的想像。

在觀影中產生的問題包括,複製人是如何通過重重的地下道,走上地面的?如果複製人是根據地面人的行為而活,那當中破格的“革命“因素為何?從小被抓走的女主角,被解綁後應該不會仿照複製人的生活才是,那她之後為何還必須依據被掉包的行為而活?

最大的問題是,重重往下延伸的地下室設計,深度已經是超越那個年代的設計想像,而手扶梯竟然還能操作,這完全是睡夢中才會發生的事。

而在片尾中,翻閱層層森林俯瞰的畫面,其實看起來就像腦袋的多重皺折,所以若電影暗地裡要講述的是對應青春期人格或暗黑潛意識的議題,我反倒覺得上述不真實的場景與劇情都能成立。

可惜,最後一個畫面,篤定了導演只是想鎖定在複製人的議題,安排前面那麼多的符號假設,到最後卻只是對應這個焦點。這個焦點卻也成了邏輯上最大的失誤,即那個笑容只是透露了女主角的複製人身份,少了更多人格分裂之類的推測。

這種封閉式的處理,讓電影的真實度立即瓦解,導致電影成了一部能催化腎上腺素的娛樂片,卻無法打造成從氛圍、邏輯到寓意都一脈相承的藝術片。

無論如何,導演的電影掌控技能仍精彩,鏡頭與配樂依舊出色。尤其是前者,幾乎每個分鏡都隱藏著複製人的訊息,而女主角最後與複製人打鬥那段,無論是畫面或帶出來的科學與行為模式反思訊息最強烈。

演員更不用說,Lupita Nyong’o有望入圍明年各大影展的女主角獎項。但少了邏輯的擲地有聲支撐,讓裡頭各種行為淪為虛有其表的行為藝術表現,算是這部精彩電影的最大遺憾。

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