日本環球影城全攻略(一)

進入正題前,先說說自己今年原定的旅遊規劃。

過去兩三年專注在拓展歐洲後(法、意、梵、瑞、奧、德、荷),今年原本就想轉回亞洲,而且是帶全家人去玩(雖然去年趁小弟畢業典禮時,順便帶全家人到台灣環島遊)。

香港與泰國近年才去,韓國也去了三次;中國家人前年也才去,越南、印尼與柬埔寨之類我不介意去第二次,但老人家沒多大興趣。後來發現:咦,日本還沒到過也。

雖然前幾年有想過到日本旅遊的念頭,但兩老認為當時輻射問題大,極力反對我到那邊玩。事隔多年再問,他們竟說OK(有句話說,時間是最好的療藥。果然沒錯XD)。然後,在我開始想規劃日本的行程,並鎖定在大阪與京都時,沒想到就接到蘋果旅遊打來的電話。

“下個禮拜你有空嗎?想請你到日本環球影城USJ去玩。”

日本環球影城?天啊,若拒絕的話,應該會折壽50年吧!!尤其多年前一個好朋友到過,分享了裡頭很多好玩的經驗後(不過那時還沒有哈利波特的項目),我早就對那裡有所期待。卻沒想到臨近的新加坡環球影城還沒去得成,就得以先到亞洲歷史最悠久的日本大本營先玩。

申請假期,訂了房間(因為自己特意延長兩天到京都走走),然後就順利出發——慢著,“順利”二詞只算用在這些事情的安排上,因為出發時身體仍抱恙(傷風加背痛已一個月未好),加上出發當天飛機延遲(從原定晚上11點半拖延至3點半),結果整個人都渾渾噩噩。最糟糕是,飛機在抵達前半小時,逐漸下降的氣壓壓迫了因傷風鼻涕阻塞的咽管,結果從鼻子眼睛到太陽穴都劇痛不已(傷風搭飛機真的是酷刑啊!撇步是記得多喝水,還有起飛或降陸時可以先 嚼口香糖)。好不容易降陸後,到了廁所擤鼻涕——天啊,都是濃濃的鼻血!

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冬天的飛機上俯瞰景色

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日本機場好安靜好有效率好有秩序

立即打電話給醫生好友,跟他描述情況後,他先問我是否看得見,確認視覺沒影響後,他推測應該是鼻腔內爆血管,問題應該不大,好好休息就好,但還是會流幾天血(結果真的到了第四天才算停止)。他還囑咐我到日本的藥妝店去買些藥,並說大阪藥妝店內都有中文翻譯員,買藥應該不困難(但日本的藥好貴,買了四種藥,就花了RM400多)。

之後,我們從機場搭車前往大阪車站,並在那裡買了 “ 大阪城 ” 地鐵票抵達Hotel New Otani Osaka。很喜歡這個五星級酒店,地點位於兩個地鐵站中間,依附著河。早餐很多選擇,西式有麵包果汁類,中式有點心麵條,日式有生魚片溫泉蛋涼麵等。最重要是距離另一個大阪必去景點 “ 大阪城 ” 非常近,走路僅需10分鐘內。房間的大窗口也可看見這道風景,所以住在那裡真的覺得有度假的情緒啊!

 

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大阪城夜景。最後一個晚上我們走到那裡去觀賞日本環球影城的一個戶外表演《戰國》,只到3月12日為止。 

先打個廣告。半小時的《戰國》表演,可以看到以前日本戰國西豐臣與東德川賭上彼此霸權的戰鬥,日本最後名將真田幸村最後如何決鬥的史詩級歌舞故事。超好看,表演場地從舞台延伸至舞台下,雖然聽不到日語,但也能透過各種舞蹈動作,還有投射到大阪城的鐳射燈光了解大略劇情。

參考網址:http://www.usj.co.jp/tw/universal-cool-japan2017/osaka-castle/

第一天是自由行。我們先到心齋橋吃了最出名的一蘭拉麵,四處逛逛後,晚上又吃超級好吃的河豚火鍋。天氣只有四度左右,能在裹著厚厚外套下吃到這麼熱乎乎的美食,算抵掉了早上搭機時種種的狀況厄運。

一蘭拉麵比想像中好吃,店面設計很別緻。進去前要先在門口機器點餐,看看自己要的麵條、湯底或配料之類,然後拿了存據後,我們被安排在二樓吃麵。每個位子都有小小的窗口,然後每個人都把存據交給櫃檯,就有人負責在簾子後送上好吃的面。值得一提的是,每個位子都是隔開,所以一個人吃也不覺得尷尬。

 

第二天重頭戲來了。一早吃了早餐後,我們搭乘從酒店至環球影城的接駁巴士,大約半小時就抵達影城。那時,我也才知道這次的邀約還包括來自印尼、泰國、菲律賓與澳洲的部落客。大家在未來幾天都會一起參加這次日本環球影與日本JR鐵路公司安排的行程。

我們經過簡單解說,知道當天的行程非常緊湊,在短短8個小時半左右要逛近10個推薦據點(但後來想想真的很感恩,某個台灣朋友說他跟朋友排隊玩,還買了快速票,結果也只能玩了哈利波特的兩個遊戲而已),所以希望大家能在分組後記住領隊樣子跟著走,不然走失的話可能會影響一些參觀項目的時間。

不過,還是建議大家購買環球影城快速通行券(可以先上官網購買,現場買的話要碰運氣),不然單是排隊花上數個小時,真心覺得超不值得。
Express 4 ,4167日元 ( 目前折合馬幣約165)
Express 7 ,6387日元 ( 目前折合馬幣約253)

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五度的冷冷天氣,真佩服後面穿短裙的日本制服美眉啊

一進到環球影城——哇噢,真的好大好大啊!每條商店街都是虛招,重點都是穿梭在商店街後頭的各大主題影城。幸好,裡頭有地圖導覽可免費領取,而且只要認得中間十字路口的商店,基本上就不怕會走失。

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右下角就是哈利波特主題樂園,佔了整個園區大概六分之一,是遊客到訪的首選。

從大門口走到哈利波特主題樂園大概5分鐘(已經算是疾步了)。日本的「哈利波特的魔法世界」主題樂園於2014年7月才開張,是全球第二個營運的哈利波特主題樂園,裡頭分為三部份,由霍格沃茲城堡(Hogwarts castle)、活米村(The village of Hogsmeade)以及禁忌森林(Forbidden Forest)組成。

首先會先看到禁忌森林,映入眼裡的是有個巨石陣的小庭院,入口處有個跟隨太陽光線而判斷的時鐘;進入不久後可看到旁邊有個迷路飛天車(出現於《消失的密室》),這時四周圍都是哈利波特標誌性的魔法音樂。再往樹林裡走不到三十秒,就可看到活米村出現了。20170119_103135.jpg

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活米村是整個樂園最重要的商店和服務區,這裡有各種參考原著的特色商店及餐廳等包括我們晚餐在這裡用餐的三根掃帚酒吧(Three Broomsticks)、販賣各種惡作劇玩具的桑科的店(Zonko’s)、各種糖果與巧克力口味的蜂蜜公爵糖果店(Honeydukes),售賣各種魔杖、飛天掃帚等禮品的德維與班吉(Dervish and Banges)等。

人潮很多,一進去先看到右手邊的國王十字火車站,然後前面都是假白雪覆蓋的建築物,兩旁都是販賣各式商品與食物的商店街。但由於趕著去霍格沃茲城堡玩機動遊戲「哈利波特禁忌之旅」(Harry Potter and the Forbidden Journey),所以有再驚嘆的電影場景都只能先走馬看花。

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來到了霍格華茲城堡,真心覺得壯觀得好可怕,完全還原了對小說的真實想像,而且感覺真的有魔法師在裡頭啊!!!

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超屌的是,我們在日本領隊帶領下,完全可越過長長的人龍,直接進入到隊伍的第一位等候入場!!那種帝王般的招待方式,讓人感受到旁邊隊伍紛紛投來怨恨的眼光,但當下興奮的心情早已沒空理會這些,並一直揣測裡頭究竟會有怎樣的驚喜等待著。

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可怕的人龍,這已是十分之一的前段啊!

首先我們會走上一層樓梯,樓梯旁先是學院內掛著的各種不同活動肖像。正當我們開玩笑說怎麼畫像不會動不懂是不是預算有限時,沒想到人像就如同小說般活動,而且還會互相對話,真實還原度高,讓人完全期待接下來的機動遊戲。

之後,我們就先放置隨身物品,然後搭上一個四人一列的設施車,並戴上3D立體眼鏡,接著隨著列車移動,體驗全球首創的4K3D技術,穿越城堡內部親身體驗霍格華茲的真實風采。

由於裡頭無法拍照,就只能透過文字敘述。裡面先看到的是小說提到過的經典場景與擺設,包括鄧不利多的辦公室、黑魔法防禦性教室、哈利波特隸屬的葛來芬多學院交誼廳後,接著畫面就衝出戶外,變成好像騎在飛天掃把上追求金探子。之後,隨著原本小說劇情設置,開始看到催狂魔、巨蛇與佛地魔等反派人物登場,而且過程中還有很多閃燈、肥皂泡、水、音響、煙霧等增加真實度。

最後當然是能平安回到,可看到鄧布利多與、哈利波特、妙麗及榮恩等人在學院外門口排排站歡迎你回來。四分鐘的遊戲,但玩得超盡興,而且真心希望不要下來想玩個十次啊!!

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走出來後,就會先穿過這個紀念品店

結束後我們就被帶到國王十字火車站旁站著,體會新的遊戲設置。工作人員這時交給我們一個短魔杖,然後叫我們站在指定地點,拿起魔杖對著屋頂做些手勢。“ 噗 ” ,屋頂上竟然有火焰噴發!原來這是體驗魔法師施展魔術的一個好玩遊戲。若沒有力氣去排隊的話,在這小小的角落玩火也是種難忘的體驗哦!

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日本領隊展示了哈利波特樂園內新遊戲的梯度地圖

(待續)

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《王子眼疾》影評:《Moonlight》

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《內斂細膩的衝突反差 月光下猶見初衷的純愛 》

當男主角問起為何事隔多年後還找他,朋友開始說有個人走進餐廳,男主角察覺這是客套話不耐煩打斷,“然後呢?” 朋友有些驚訝他不似印像中的優柔寡斷,遂起身往點唱機投幣。

鏡頭彷彿變成男主角的視線,一刀未剪地緊貼這朋友身影。這時,餐廳響起了經典節奏藍調歌曲 “ Hello Stranger ” 。

“ 你好陌生人,很開心再見到你。你一去已多久?猶如相隔了一個世紀。”

歌詞描繪重逢的感慨,朋友轉過身,開始不自然地摸頸咬下巴;鏡頭切換男主角的回眸,望著朋友微笑回座。突然,朋友不笑了,直視著男主角;男主角低頭,任由歌聲一遍遍唱著,直至唱到重逢後的打招呼,他才勇敢抬頭望著對方。

一秒後,門鈴聲突兀切入。鏡頭回到尋常街道,彷彿方才勾動天雷地火的真愛激盪沒發生過。

這是《Moonlight》的點睛畫面。沒有燭光鮮花,沒有帥男鮮肉,兩個皮膚黝黑且流氣粗獷的黑人,卻擦出了愛情中最微妙的卑微與悸動。

溫柔克制,脫俗細膩,彷彿李安手下的《Brokeback Mountain》,用含蓄內斂手法,將一個充滿衝突性的題材,拍出餘音不絕的動人意境。

不同的是,斷背山說的是刻板父權時代下同志愛情的信念糾結,月光結局看似說著愛情,但實際上卻是重重的身份認同;從族群、從家庭、從校園、從社會。

要不是主體為黑人,這或許就是一部尋常的同志愛情故事。但是,這是全球公認擁有最強悍荷爾蒙的民族,但同時是美國政治與經濟最邊緣化的族群,一個照理應頂天立地、拼命求存的身份印象,卻有著與表象認知反差的性取向,這種種的身份認同追尋,就是《Moonlight》最好看的暗潮洶湧。

暗潮從一開始就吹得瘋。男主角與吸毒母親相依為命,遇上一個父親形象的男子保護關心他,偏偏這寄託對象卻是一個毒販,而這偏偏又是販毒給母親的間接罪人,叫他成長過程中就無法脫離宿命的各種矛盾嘲諷。

之後,他的成長過程從來沒有一刻安寧。同學的集體霸凌,好友的弱懦背叛,甚至是母親嘴角不斷掛著愛,實際上卻完全沒有盡到照顧責任的偽善,最終讓他變成了一輪缺月,選擇用陰暗面來處理感情上的缺失。

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所以,最終的結局才如此撼動。經過多少浮沉,擺脫多少成長期的外在牽絆,兩人依稀認出對方在第一次親吻時的初衷,回到當年藍色月光下的單純相愛狀態,剎那擁抱已是永恆。

故事是動人的,但觀賞這部電影時,不自覺地陷入入王家衛情結——先不論裡頭濾鏡、攝影、美學等技術層面,單是配樂取向與憂鬱敏感的調性,我彷彿從《重慶森林》、《墮落天使》遊蕩到《春光乍泄》及《花樣年華》。

不過,在配樂觸覺依舊有個性化的敏銳,尤其是小提琴拉得尖銳急促,叫人不安。這個上流社會的專屬樂器,無時無刻穿梭在低下層社會中,彷彿對應著戲院觀眾,就算擁有同理心體會男主角心情,但在觀看意義上,卻仍是置身事外的本質嘲諷。

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裡頭大部分的運鏡都有壓迫感,不是360度長鏡頭,就是大特寫,尤其是男主角獨行時,鏡頭總是以背影鎖緊,凸顯內心孤單外,也隱隱流瀉出被壓抑的性取向;而男主角與好友從第一次親密接觸到重逢時的開車位子,也正巧從駕駛座與乘客位對調,這些鏡頭下藏著的意識形態,都讓這部電影多了回味的份量。

這是一部難得溫柔安靜的黑人愛情題材。在喜愛程度與藝術成就上雖然追不上《La La Land》,但它依舊是這幾年難得沒有講求 “政治正確 ” ,卻能迸發巨大心靈震憾力的好電影。

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《王子眼疾》影評:《Billy Lynn’s Long Halftime Walk》

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很難想像,若不是李安執導,《Billy Lynn’s Long Halftime Walk》會變成怎樣一部作品。

這部劇情簡單得幾乎三言兩語就能帶過的劇本,多了硝煙攻堅場面,很可能成了尋常大美國主義的愛國戰爭片;警世哲理太多,又會悶出說教味過濃的乏味。如何不偏移其中一方,沉穩地守在天平的正中央,考驗的是導演的自制與內斂。

而這些特質正好是李安電影的烙印招牌。從第一部電影《推手》到上一部作品《Life of Pi》,越是說得含蓄溫吞的作品,越能讓作品發酵沉香。他本身曾沉寂無業的經歷,待人處事謙遜恭敬的態度,直接都反映在作品的技法與觀點。

所以,一部骨子裡散發著濃濃美國精神的《Billy Lynn’s Long Halftime Walk》劇本,卻嗅不出絲毫星條旗的飄揚驕傲,反而依舊是借物透情,透過巧妙分鏡與剪接,絲絲透出美國社會下人海眾生面的無奈與宿命,這是李安比其他導演勝任的優勢。

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坦白說,這部電影輪廓與《Brokeback Mountain》相似。故事簡單淺白,畫面恬靜優美,僅透過三個場景交疊,就醞釀出一種千纏百繞的愁緒與無奈。那種絲縷感,多虧同樣延用自斷背山的簡單吉他撥弦,在心頭癢癢地發酵著。

不同的是,《Brokeback Mountain》透過第三方鏡頭來隔紗窺探,《Billy Lynn’s Long Halftime Walk》卻使用了大量的主觀鏡頭來介入外,許多角色甚至還打破第四面牆,突兀地直視鏡頭,彷彿當下直接就要與觀眾對話。

其中,部分鏡頭與濾鏡李安設計得刻意,例如主角在記者會後台與啦啦隊女孩相遇時,原本鏡頭一直在男右女左設置,但提到信仰時卻突然切換成女右男左,那段女生提到基督教信仰的虔誠(基督教右邊屬於公義),正好體現出這部戲想要探討的信仰價值。

在敘事方面,李安這次雖採用線性敘事方式,按照球賽半場的表演時序來拍攝,但卻罕見地使用回憶倒敘方式插入。透過相似鏡頭的設計,李安巧妙地讓主線(球賽)順利承載支線(戰場與家庭),卻又透過支線的細節輔助,墊厚了原本球賽背後主角的精神壓力狀態。

對李安來說,這是一次新嘗試,卻又再度成功駕馭新挑戰。

新挑戰不只是所謂的每秒120格高幀率技術——反正全球只有5家電影院有,大部分觀眾也只能透過轉檔後的畫面,隱約看得出相對高清——至少在球場內的全景環顧或是戰場追擊畫面,的確讓人多了身臨其境感,但怎樣還是比不上《Life of Pi》的海洋遼闊壯麗視效。

新挑戰還包括李安如何將抽象的情緒 “ 狀態 ” ,具像化成讓人幾乎可觸摸得到的情緒 “ 形體 ” 。而這次,他依舊成功。

從主角驅車前往球場時的焦慮不安,到了球場的頻頻回顧往事,遇到初戀女孩的緊張興奮,上場時的驚慌放空,再到最終體認到歸屬戰場的安心篤定,李安透過豐富的鏡頭語言與分鏡,將主角的心裡狀態譬喻成往事戰場,從而更生動地勾勒出美國出兵攻打伊拉克時的另一種真相。

這種真相並非沒有其他導演拍攝過,但沒有一個導演如此著重於美國大兵出征後的心理狀態與回國後的社會融入實況。李安透過這部戲,不僅為表面受盡英雄追捧的美國大兵說出內心脆弱的難堪,也透露出美國各階層就算沒有參戰,卻同樣面對各種人生宿命壓迫的無奈。

說白點,這部電影正好讓當年出征中東戰爭的合理性及士兵被政治化利用的心態,從虛實映畫中有了更深一層的反思。而李安電影的厲害,就是反思會不斷在後勁中熊熊翻騰,尤其是Vin Diesel在樹下對著Joe Alwyn開悟的漂亮構圖,那股心靈雞湯的禪味彷彿讓人會心一笑對應著《Life of Pi》。

當然,李安最厲害的還是選角嗅覺。Joe Alwyn帥氣恰好,但靈氣滿分,多個特寫鏡頭考驗細膩演技,他卻都能維持飽滿的表演能力,那雙眼神的真摯情感,成了觀眾相信並憐愛這個美國大兵的哀愁中。

不過,我驚訝Garrett Hedlund反而還搶鏡。他將一個說話犀利直接卻不失幽默的軍官角色立體塑造,好幾次平淡的劇情就靠他調劑提神。若說Joe Alwyn是敘事整體故事的五線譜,那Garrett Hedlund絕對是點綴並推演音符前進的節拍,搞不好是明年男配角的熱門。

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其他方面,脫離《Twilight》後的Kristen Stewart演出越得心應手,她莫名帶點脆弱的特質,正吻合裡頭帶著內疚感的姐姐。李安兒子李淳角色討好,但角色刻畫缺乏深度,充其量只是平衡種族歧視的考量。Vin Diesel算是迎接了從影來最新鮮的角色,表現讓人眼前一亮,但我情願還是歸功在那新鮮感,至少同樣也挑戰新形象的Steve Martin表現更沉穩。

這是一部很美麗的創傷後壓力症候群電影。觀看前提切莫心浮氣躁,或帶著一般商業片節奏的心態入場,否則你只能收穫瞌睡蟲,而錯過了更多心靈追求的震盪。

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《王子眼疾》影評:《七月與安生》

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看完《七月與安生》,腦海中竟然浮現張艾嘉曾執導的《最愛》及《心動》,同樣都是說著兩個女生故事的細膩電影。

不同的是,《七月與安生》卻是男性導演作品。在導演曾國祥(曾志偉之子)視角下,兩個女生故事不僅沒有變成男性沙文主義下的流水賬,依然保有許多情感幽微發酵處外,甚至還比張艾嘉多了一份果敢,懂得在某些濫情位毅然一刀咔嚓。

身段輕盈後,情感握得到位,才讓電影多了一種輕渺悵然的美麗後勁。

這部講述兩個女人的友情電影並非無處挑剔。從小時候認識到友情開始變質的前半段,劇情說得有些坑坑巴巴,例如安生的家庭背景交代支線太弱,導演似乎要透過單親來述說安生內心渴望安定的夢想,但顯然交代太單薄,安生母親出場太少,反而變成了一種莫名其妙的安排。

同時,兩個女生從小個性的對立性也不夠強,導演只是透過生活方式來呈現相異,卻少了更多精神價值觀的傳遞,減緩了長大後對峙的衝擊力。

不過扣除這些,電影顯然瑕不掩瑜,尤其在剪接部分非常用心。從開頭影射性的陳述,對比結尾時的口白,加上使用同一首英文曲(竇靖童演唱)作為貫穿,使電影結尾無違和地銜接開頭,並製造一種封閉式情緒循環空間,好比兩女友情一樣生生不息,重看就立刻增生惆悵。

同時,後半段真相無數推翻的技法並不陌生,但這常常會淪為過度炫耀而產生一種突兀浮誇。幸好曾國祥懂得節制,將每個假象與實情都平心對待,不會刻意製造衝突來加強戲劇效果,這反而成功讓兩個女人的心態壁壘呈現,且將累積的友情觸動一一開展,為電影留下了最美好的反芻情緒。

不過,配樂處理我不太認同,總覺得許多時候配樂太過干擾(尤其是前半段),某些明星選曲也太過刻意。雖然看得出製造時代感的企圖,但若再稍微稀釋,可能會多了觀影流暢感。

選角獨到是這部戲最成功的地方。無論是周冬雨的安生,或馬思純的七月,兩個人從頭到尾幾乎都相互抗衡,情感完全飽滿厚實,說服了觀眾相信這個故事外,也拯救了一些斷裂的劇情。

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兩人從安居到流浪的不同際遇,心態上不斷對立的細微轉變,都一直拿捏精準。雖然計較起來,周冬雨才是真正女一,原本她那張帶有嬰兒肥的臉讓人擔心是否能撐住角色,但她最終的幹練女形象竟然說服力強勁,凸顯出她強大的表演能量,這也成了她出道以來發揮最完整的代表作。

馬思純固然在劇情安排上有些吃虧,可是在周冬雨強勢的角色設計下,竟然能靠著內斂沉靜的角色毫不遜色,這種抗衡難度係數更高。坦白說,去年馬思純入圍金馬女配的作品《左耳》,飾演的角色性格就有點像周冬雨,這次從狂放轉為委婉,依然帶出精彩的表演。私心來說,我會將金馬影后頒給她。

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男主角由新人李程彬擔綱,酷似彭于晏的他雖然演技生嫩,但正好形象符合裡頭的稍微木納設計,所以偶爾表演略顯吃力,尤其是搖擺不定的轉折不夠深刻,至少還是能讓觀眾自我說服——這種窩囊或許就是裡頭造成友情反目的原因!

這是曾國祥第二部作品,上一部《戀人絮語》已經有7年之久,當時也曾入圍金馬新導演。在這段時間曾國祥依然參與無數電影演出,而這正好讓他更摸透表演輪廓,才成就這部透過演員表演來推演劇情的電影。

在技法方面他有企圖心,某些時候依然會展現創意的攝影方式與敘事概念,雖然還未到爐火純青的地步,但能將一部女性作品說得如此踏實美好,不見男人自以為是的躁動與粗糙,這或許就是金馬評審給他一個提名肯定的原因。

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《王子眼疾》影評:《La La Land 》

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復古是種迷迭香,歌舞劇則是迷幻藥,兩者只需要輕輕攪和,再添加純粹的愛情香氛,就足以讓人熏死在舊歲月沉澱出的迷人風味(簡易操作手冊請參考《Hairspray》)。

但《La La Land》有著更致命的毒藥,而這份毒素就像劇中Ryan Gosling第一次帶著Emma Stone到酒吧聽爵士樂時說的對白一樣:這就是夢想,既是衝突,又有妥協,超興奮!

(此時,請點播原聲帶的 “ Planetarium ”)

沒錯, 電影裡的” 衝突 “ 與 ” 妥協 “ 的元素的運用關係太微妙,才讓夢想(噢,愛情也包含其中)這個詞——天知道它經歷過多少電影的錘煉,穿越過多少演員的嘴角,廉價得猶如步步驚心的馬幣——成了神奇魔咒,重新點石成金,讓《La La Land》建構的追夢過程顯得真實又不失魔幻,也成了走出戲院後不斷拉扯觀影心情的糾結。

好看的衝突與妥協,包括從經典致敬中不失匯入新意,新意中又能銜接到另一段經典裡;從為了單純的愛與夢想而在一起,卻為了更大的愛與夢想而成全;從尋常通話中唱出夢想,也從唱歌中找到生活更堅定的路。

而最好詮釋衝突與妥協的話,正好是John Legend對著Ryan Gosling說的:你若是如此保守,要怎麼創新?你一直懷舊,但爵士樂是要創造未來啊!

衝突與妥協,不斷穿梭在兩個主角身影,讓觀眾漸漸地相信並愛上了兩人的宿命交際,才讓這部追夢的愛情電影多了厚實的身影。

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例如,當Emma Stone與Ryan Gosling同是塞在路上的追夢人時,看似妥協的符號,換來的卻是後者對前者的不耐煩響喇叭;當Emma Stone走進酒吧剛好看見被炒魷魚的Ryan Gosling,兩個是命運妥協的失意者,Ryan Gosling卻對Emma Stone視若無睹,兩人的交會再度以衝突結束。

直到最後一幕,Ryan Gosling對著Emma Stone彈奏那首傷心曲,最後一聲琴聲落下時,兩人眼神交匯出對命運安排的屈服,但彼此身份各有歸屬,愛情角色已易位。

此時的琴聲,舉輕若重,彷彿是向夢想妥協,與愛情衝突的嘆息奏鳴。外加琴聲落下五分鐘前的平行時空美好幻想,那神來之筆就算不能為觀眾彌補對主角圓滿的結局想像,卻已為《La La Land》拉抬至愛情歌舞劇新的層次,為追夢刻下了更寫實的難全。

但《La La Land》好看的地方不僅在於劇本的紮實,而是從格局到執行手法的一脈相同,一氣呵成。

從格局來看,雖然表象只是愛情音樂通俗劇,但裡頭包含了超豐富的戲劇、文學、建築、繪畫、表演手法等,所有元素都經過考究,恰當融入經典元素後,再將每個項目環環相扣,才讓電影經得起各種影評人的分析與推敲。

值得一提的是,裡頭許多東西竟然與4有關。四季變換的闡述、四個好友設置、四色的街道搖擺、四次試鏡,Lala也是4個字,就連推出的2016年也能被4整除。或許這只是巧合,但與4相關的正好是穩固的正方形,而這也反映在裡頭許多對稱的構圖美學上。

電影的色彩及光影運用真是美得驚人,除了最後Emma Stone穿著的藍色禮服同樣出現在酒吧的畫面外,裡頭每場戲幾乎都沒有撞色,顏色運用的配置極致,外加獨唱畫面時逐漸暗下獨留的光影,那高難度的光圈收緊畫面,絕對能征服每個人的美學感受。

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場景設計配合精巧構圖下,就算是全景鏡頭,也讓人感受到細節精緻的設計。我尤其喜歡Emma Stone的房間設計,那花紋壁紙滲透出的古典味,就正好為這部致敬電影墊下認真的信念。

Damien Chazelle拿下金球獎最佳導演是實至名歸的。不說那成熟的劇本與執行度,單是開場的塞車大道到男女主角在山上踢踏舞的高難度一鏡到底畫面,這早已不只是單純的場面調度功力,裡頭有更飽實的精神內涵。

況且,從上部電影《Whiplash》到《La La Land》,從敲擊樂到爵士樂,導演展示的強烈音感與人文精神思考早已超越許多前輩,這部電影與其說是他向經典致敬,倒不如說他已復刻經典,且與經典並駕齊驅了!

至於Ryan Gosling與Emma Stone更不用說。我覺得兩者相輔相成,並沒有誰壓過誰的說法。兩人最後的酒吧的對望身影,那種不用說話就有千言萬語在其中的氣場,絕對是為整部戲角色劃下最立體的表現。這個精湛收尾,外加兩人為戲苦練的舞蹈身段,那從精神到肢體語言都一致的默契,誰還能讓他們從電影世界裡切割出來呢?

想說的還有很多,但這部電影若是個經典夢,又豈能三言兩語就能盡述?其餘的,就留待依然還有愛情且懂得追夢的時機,再慢慢發酵吧。

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《王子眼疾》影評:《大手牽小手》

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還是用三種角度來分析《大手牽小手》吧——馬來西亞電影,李永昌電影,類型電影。

過去幾年,馬來西亞華語電影上院線的每年至少有10部,但能把故事講好的屈指可數,甚至有些連最基本的 “ 敘事完整 ” 都說得坑坑疤疤,讓人對本土華語電影的製作誠意與功力期望每況愈下。

雖然,這部格局仍跳不出已近氾濫的親情題材,惟比起過去幾部同質影片而言,成績仍算中等。至少敘事流暢,無太大硬傷,起承轉合的節奏仍算合宜,也讓人多了幾分觀影投入感。

同時,過往本土中文電影常會不自覺放大 “ 愛國意識 ” ,即某些場景或習俗都強調大馬獨有的特色,但往往不是無法與劇情銜接,就是有種刻意賣弄的突兀。突出了部分片段,卻犧牲了劇情流暢,得不償失。

《大手牽小手》雖在香港與大馬取景,劇情也設定在城鄉格局的對比,但至少取景時並沒太多區分刻意,鏡頭仍鎖定在人物情緒表達上,以說好整體故事為主而非趁機宣傳大馬風景的拿捏值得稱許。

若以李永昌電影來切入,作為第五部執導電影,先不論他之前作品素質,單就能善用資金維持穩定的產量,並不斷嘗試各種題材,熱誠與嚐鮮態度就值得稱許。

坦白說,這次算是他執導以來最成功的電影。從頭兩部鬼片、小清新校園片到搞笑賀歲片,每部都有敘事上的紕漏。李永昌作為編劇出身,總是偏好在對白上下功夫,但過往總是為了刻意玩諧音或鋪好笑的梗,並要演員誇張地突出口白及做表情,雖然迎來笑聲,但緊接著就出現敘事斷裂或轉場刻意的尷尬。

或許這部有他投射的情感,劇本結構再也不像之前浮誇,許多細節都安排真摯,有種返璞歸真的洗練,這點值得嘉許。尤其在場景設定與對白運用上,明顯地已不像以往那樣刻意(但希望未來贊助商的介入會更低),總算是迎來導演生涯中相對成熟的作品。

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不過,若扣除上述所有安慰角度,單就電影本身成績而言,目前仍只能算及格。就算撇開拿獎考量,以商業親情片格局而言,這部仍有許多值得再加把勁的地方。

其中,拍攝手法有許多要修正的地方。《大手牽小手》如今普遍好評,主要勝在現在比較少觸及的親情,也就是題材方面佔了便宜。但基本上電影手法較保守乏味,雖然想質樸談親情,惟所有情節都幾乎符合觀眾想像,情緒與氛圍醞釀都依賴對白,加上剪接時有拖曳,感覺電影只是再現90年代拍攝手法(尤其是黃浩然面對鮑起靜唱歌那幕)。

部分細節設計有驚喜,例如黃浩然一家人扮道士抓鬼的情節設計逗趣,葉良材與尹匯芬的選角精準產生的活潑戲味,多少都拉抬了電影節奏。不過,配樂太過干擾,不僅出現頻率多,而且好多畫面選擇的樂器與曲風都不搭,抽走的話反而能讓留白空間多了想像,也讓親情的糾纏多了回想韻味。

有些鏡頭剪接方面也必須改進,尤其前面多個過場鏡頭太刻意,彷彿是怕觀眾沒注意到而放慢重疊速度,這反而凸顯導演欠缺收斂的自信。

另外,攝影師也應該多注意構圖的整潔度,最明顯是鮑起靜在喝媳婦茶時,原本是感動戲碼,惟後面的印裔同胞臨記也出現在同個畫框,造成了視覺焦點分散,這些都是技術上必須再加強的事。

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黃浩然真的平板得乏味,前面的木納就算是個性設置,但內斂也有分層次,他卻都壓扁成幾乎同個表演方式,導致後來所謂的爆發力反而顯得怪異。鮑起靜演得有時太張狂,但可能是導演追求的表演方式,若再收斂一些,或許病倒時的後座力會相對加強。衛詩雅與王菀之都相對舒服,小朋友也演得自然,整體而言除了黃浩然,大家都為戲加分。

真心希望,這部電影能票房大賣,至少除了能開創合拍片的新格局外,也讓電影能被大馬以外的觀眾鑑賞。透過不同國度的角度,多了平心論技的機會,或許也多了間接促進大馬商業片進步的動力。

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《王子眼疾》影評:《擺渡人》

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王家衛有兩種人格;藝術人格留給執導,搞怪人格留給監製。

對於執導作品,他從不心軟眼松,只要是一句對白感覺不對,一個回眸惆悵欠缺,他寧可重新燒錢架景找回演員重拍,也務求菲林拍出心中那完美的愛情想像。

導演身份對他而言,吹毛求疵得彷彿不想辜負任何人的期待。無論是哲理對白的文學性,到某個空鏡頭靜物下的光影,即便只是電光火石,卻也都算準抽象的感覺節奏。

如同《阿飛正傳》裡開場張國榮對著張曼玉的那一分鐘,王家衛希望影迷能以那一分鐘的專注為單位,細嚼他執導的每部作品;刻度看似短暫,回味卻雋永流長。

不過,每種完美壓抑的背後,總有著瘋狂惡搞的一面。王家衛也不意外,長期扛著第一名的牌匾,要說手不鬆腰不酸那可騙人,這時發洩心中稀奇古怪想法最好的方式,就是當監製。

可別以為王家衛的監製是當假的。據說,他這監製幾乎與導演的工作差不多,除了正式站在攝影機前喊Action外,幾乎從離奇的故事發想到噴飯的角色對白他都愛插一腳,並會設想觀眾的心理預設,不斷顛覆,只求好玩,再從裡頭尋找一些特殊元素,去蕪存菁,以收納成以後執導的電影細節。

所以,這才有了《東成西就》荒謬胡鬧,《天下無雙》的嬉戲裝瘋。監製彷彿成了王家衛的實驗品,所有龜毛講究統統去死,剩下的只是一味要求好玩、再好玩、更好玩。

就好比《重慶森林》裡,金城武不斷在商店內尋找不過期的鳳梨罐頭,監製之於王家衛,恐怕也是透過這些追探,好尋找另一個在電影裡不過期的元素。

所以,掛監製的《擺渡人》依然是王家衛的童心未泯之作。不同的是,以前常合作的劉鎮偉是香港人,兩人熟悉香港電影的操作,地域到人情概念毫無歧見,玩心自然非常合拍且亮眼。

現在卻換作中國導演張嘉佳。他除了是原作者外,幾乎對電影業一竅不通。有的只是文字想像,對影像執導經驗零,在這情況下,別人總好奇為何王家衛要找上張嘉佳。

這恐怕就是要回歸王家衛上一部作品《一代宗師》了。儘管題材是香港人非常熟悉的葉問,但與王家衛過往最大的不同點是,這部片明顯已轉移目標群眾,王家衛再也不把主要觀眾鎖定在香港人,取景也稀釋了地域熟悉度,反而逐漸擴大至中國大陸市場。從演員選角到語言使用,再到發行後行銷策略來看,其實已逐漸透露王家衛成立的澤東公司日後部署方向。

因此,王家衛與張嘉佳的合作可謂長短互補的組合。既然澤東未來目標鎖定在中國,配合成立25週年又是一個好噱頭,那不如直接找來一個作品對白傳說度高,且作者有意執導的人選合作,這可能就是香港影人北上發展的政治阻礙最小,收益成本最快的方式。

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因此,王家衛放手讓張嘉佳去執導,一來是看中後者的作品,就算王家衛參與編劇改編,後者仍是最了解角色原型與情感;二來就算張執導功力不佳,王家衛仍有信心能透過專業技術團隊的輔助,外加後製剪接,仍能端出一盤像樣的菜。

最重要的還是如上所說,王家衛覺得掛名監製就是要無盡好玩。反正導演第一次執導,風格未成形,加上中國市場太大,各種片子的包容力相對廣,因此倒不如這次就乾脆惡搞到底,看看是否能玩出新花樣。

不過,玩新花樣之前,王家衛對於劇本要求非常嚴格。經過了118次易稿後,最終端出70萬字的史前厚重劇本,王家衛才首肯張嘉佳開機拍攝,以防電影執導效果落差太大時,最終仍有清楚的脈絡可以追尋。

說了這麼多,無非是要先讓大家了解王家衛的心機,對《擺渡人》這部作品才有更深一層的分析。若觀眾再以表面看電影的心態觀賞,自然會不解裡頭看似敘事支離破碎,故事荒謬離奇,情感神經跳脫的設置,甚至會大罵這是一部似是而非的IP爛作,不明白王家衛怎麼會監製如此爛的作品,就正中了王家衛的計。

說穿的話,這其實是王家衛的套路。當王家衛拎起監製的位子時,就已注定作品成效會是如此。既然王家衛已打定主意玩白爛(尤其從預告片可看出端倪),也讓這部片有了新的實驗風格——用八九零年代港台電影業的浮光片影,再灌入中國當代社會最浮誇世俗的風格,以鑄造成這部 “ 中港台大燴雜 ” 電影。

從電影節奏來說,這次採用的是土豪式章回MV手法,也就是如土豪的奢華風格、章回小說的跳剪方式,外加無限穿插歌曲的MV畫面來拍攝,而劇本一樣延續王家衛最擅長的唯一命題式打轉,只講愛情面向不重視劇本完整性,看似七零八落,實際上卻仰賴對白銜接。

三條主線,作為主要擺渡人的梁朝偉敘述最弱,他與杜鵑的感情線頭尾貫穿,中間卻空白一大段,讓劇終的呼應差點找不著對象。而前面鋪陳太單薄,追求動機就算只是隨意賭注,但在一起的日子就值得深入描繪。導致梁的眼神再深情悲傷,觀眾也難有共鳴。

再來,以原著《擺渡人》篇幅中角色為名的Angelababy及陳奕迅這段也有點隔靴搔癢。原著裡陳奕迅是畫家,與熊黛林也早已結婚,但或許遷就演員本色,因此改成未婚歌手。這段說的篇幅最大,卻也太囉嗦,尤其後半段酒吧高爾夫明顯是商業考量(金城武打遊戲機的那段也是),為的是怕這部電影太濫情,因此才加入這些目眩神迷的色彩。原本立意是為了要凸顯犧牲的分量,殊不知這反而分散焦點,只剩下譁眾取寵的女人任性爭寵畫面,太可惜。

反而金城武與張榕容的主線最好看。這段故事線的鋪陳最簡單卻完整,也最致敬90年代。導演配合著兩個台灣人,從出場、服裝到場景設定都設定90年代,然後在鮮豔的霓虹燈與逗趣的荒謬情節下,兩個人煞有其事地將愛進行到底,竟有種不協調的滑稽漫畫喜感。經歷過90年代的人,肯定會觸碰那段看電影的青春頻率。

尤其看到金城武從對鳳梨罐頭的執著,轉移到難吃大餅,原本在意一日就過期的深情,拉長變成10年的癡情守候。若有著《重慶森林》的痴迷,再看見20年多後金城武願意放下架子,頂著《東成西就》的梁朝偉臘腸嘴扮醜演出,那份對演員與歲月的會心感概,絕對是這部電影最好的沉澱收穫。

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說起來,這可是金城武最好的演出。以往他不管演出什麼角色,不是收得太深,就是放得怪異。在這部滑稽的喜劇,他卻正好找到最適合的表演空間,臉上的歲月痕跡外加狂放舉動,正好為裡頭的管春塑造立體的形象。而張榕容也有著協調的步調,兩個人都接上了同頻率的神經質,單是這段就足以剪成一部完成的電影。

每首配樂高頻率的出現看似惡搞,但說白了就是種暗示。《擺渡人》的每句對白看似王家衛,卻又有著更通俗的氣味。既然如此,電影就直接以更逗趣魯莽的方式,將每首耳熟能詳的老歌貼上,即能完全切割王家衛電影裡的文藝高端味,又能讓這部喜劇荒謬到底。

就算許多人對電影情節不買賬,但至少看光影看構圖看場景看服裝就值回票價。王家衛高度成熟的幕後團隊,證明了就算換了個掌舵,所有小單位依然能按照成熟的流水線專業操弄。成了花瓶又如何,至少能看著這些高彩度飽和色調的畫面,也算是見證了東方電影的高超手藝。

其實,這部片與《東城西就》一樣,有硬傷太胡鬧,敘事有時還不連接,並非是傳統電影評價框架的好片。但劇本支離破碎的《東成西就》也能成為經典,除了當時演出的粒粒是巨星外,還有大時代的因素。那個年代正好是無厘頭興起之時,每個人對惡搞想像無下限,帶領觀眾走向探索新風景,才能奉為神台之選。

所以,《擺渡人》之於我也非好片,但絕非爛片,充其量只是王家衛的童心未泯實驗作,裡頭仍有許多精彩元素值得探討,尤其致敬許多90年代經典電影的片段真的讓人觸動。只是現在已非90年代,無厘頭風氣早已沒落,觀眾相對成熟要求邏輯與脈絡,而非一堆脫離原著的荒謬情節與笑話。

在這樣的情況下,《擺渡人》自然只能擺渡一些熟悉90年代歌影視的老人家。

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