《王子眼疾》影評:Murder on the Orient Express

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好看的推理片要有兩大要素——高懸疑的劇本,偵探版的導演。

後者尤其更重要。

若劇本懸念高,故事推理嚴密,卻碰上一個技法平庸、毫無邏輯感的導演,猶如將絕世秘訣的食譜交到平凡人手上。就算加入上等魚翅鮑魚,過程再怎樣火力全開,最終也只能炒出一碟有色無味的菜餚,讓離奇成了離譜。

反之,若劇本懸念低情節弱,但導演偵探感十足,懂得借助各種技術補強,那就算只是擁有豬肉白飯等普通材料,也能捧出一碗讓人回味的黯然銷魂飯。

對我而言,2017年版的《Murder on the Orient Express》故事質量不容置疑,劇本改編好,導演 ‎Kenneth Branagh更像偵探上身一樣(事實上他真的出演主角偵探一角),將經典小說依據現代觀點更改後,再透過獨有的鏡頭感與剪接節奏,成就了一部近幾年來好看的偵探片。

要知道,改編經典小說很難。尤其要改編自1934年的這本經典小說改編,裡頭的社會氛圍、遣詞用字到法律情理等,幾乎與現代視角相差太多,如何沿用與取捨角色與情節,是大挑戰。

但比起改編經典小說更難的是——超越經典小說改編的經典電影。

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扣除今年的《Murder on the Orient Express》,這部經典小說之前已被翻拍過4次。其中3次(2001年美國CBS電視台,2010年英國ITV,2015年日本富士電視台)都是近代版本,因各自改編幅度較大,紛紛遭到小說粉絲唾棄。

只有1974年的電影最受追捧。當年這部集結所有巨星的電影,大部分情節不僅忠於原著,甚至還獲得奧斯卡6項提名,而最後瑞典國寶級女星Ingrid Bergman更成功贏得女配角。

珠玉在前,這是難以超越的經典,相信‎Kenneth Branagh也能理解。因此,在新版本中,他盡量在原著文本中,納入更多現代思維與技法,尤其是在運鏡、調色、美術指導與剪接上下了很多功夫,試圖在小說迷與一般觀眾上平衡兼顧。

我喜歡這次的改編。

先談談電影設計結構(劇透)。一開頭,就看到某個小孩拿著雞蛋不斷奔跑,然後衝進某間被警察護守的房間,交給主角偵探;但他一直對雞蛋不滿意,等到滿意後,再走出去審查一宗偷竊案,並在三個嫌疑犯中,打破表面盲點找到真兇。

這是舊作沒有的情節(舊電影一開始就直接開門見山描繪綁架案的發生)。新作透過這短短不到十分鐘開場,不僅是要建立偵探的性格與價值觀(特愛平衡),而且還是要展現卓越的鏡頭感。

尤其在廣場審判時,每個鏡頭都經過精心設計,從平視的一視同仁、鳥瞰的上帝視角,再到嫌犯的特寫與追逐鏡頭等,導演善用鏡頭語言,將每個細節變成趣味盎然(且暗示性重)。

同時,導演增刪幾個角色之餘(例如新增教授、將醫生與上校合體等),也根據時代因素,納入種族元素,將醫生變成黑人,並與家庭教師談起了原著沒有探討的跨族戀愛(背景時代仍是禁忌)。

在查案到最終揭曉真相時,導演也改編不少情節(包括誰主導策劃),我非小說死忠粉絲,因此對改編包容性大。

只是有一點可討論。若根據原著,最後偵探說了 ” the honour to retire from the case “ 的經典台詞後便結束,意味著在當時依舊有死刑的英國舊社會,作者認為裡頭的殺人犯既然都已體會到心裡煎熬,因此才會讓偵探對此案是否要報警一事看得豁然。

不過在新作中,最終偵探的報警決定過程(賣個關子)有點太過刻意,也顯得說教,在這之前還加入了醫生試圖槍殺偵探情節。這或許是為了商業戲劇元素考量,惟我認為這樣的畫風突變有點小怪,感覺破壞了電影之前好不容易建立的華貴優質感。

但電影還不至於是處理得虎頭蛇尾,充其量只是導演力圖革新的嘗試,效果見仁見智。

話說,我真佩服導演對革新的 ” 貪心 “ ,尤其在鏡頭方面特別講求。為了要營造戲劇張力,也或許是為了建立獨特的 ” 偵探視角 “ ,這部電影刻意與所有前作不同,除了大玩特玩鏡頭,喜歡在限定場景中不停探討切換鏡頭的可能性外,他也不斷向長鏡頭挑戰。

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其中經典一幕是偵探從車站走上東方快車的鏡頭,展現了導演高超的場面調度。從原本在車站穿過人群的右至左動線,之後轉為背影角度,上了車後遇到穿過層層車廂,中間還必須與美國寡婦攀談。

在這幾分鐘鏡頭,除了展現了場景的真實宏大與細膩建構外,也輕鬆地拉開主要人物的出場與車廂的設置格局。設計輕巧,手法也高明。

同時,我還喜歡命案發生後,鏡頭以玻璃鏡視角,層層疊疊折射出每個人的身影,這也透露著偵探當時心態的懷疑與不安。

另外,偵探因為苦惱無法找出真兇,對著愛人照片說心事時,隨後他望著窗外,鏡頭隨著他的視線,跟著天上的落雪從上往下帶;沒想到第二天他看見曙光,約了真兇在某車廂見面時,這時鏡頭由下往上帶。

有人對這兩組鏡頭不明就裡,但我認為導演是想透過它們來表達失望(上而下)與燃起希望(下而上)的情緒。儘管有點刻意,但至少我是喜歡的。

若真要挑剔,或許在剪接與情節鋪陳上還是不夠緊密流暢,有時細節說得粗糙,劇情推演進度太快,少了更多咀嚼推理的沉著。

不過,演員陣容太華麗,而且每個人都是硬底子,所以舉手投足都狠勁十足,深怕被其他人氣場比下去,所以單看大家卯足全力的演出火花就值回票價。

自導自演的Kenneth Branagh非常入格,尤其嘴巴頂著那可笑的大鬍子(這算是最貼近原著的設定),大部分時候只能靠眼神來演戲,不容易。但我還是最喜歡Judi Dench與Michelle Pfeiffer,尤其後者情緒轉折大,發揮卻自然有魅力。

突然想起《mother!》。Michelle Pfeiffer在兩部電影展現不同風貌,依舊展現熊熊的演技能量,私心希望奧斯卡明年給她一個女配角提名。

希望《Murder on the Orient Express》票房大賣,這樣除了能看到其他系列故事翻拍外,至少也可彌補《Sherlock Holmes》系列停拍的遺憾。目前來看,Kenneth Branagh至少消化推理故事的水平不比Guy Ritchie遜色。

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2017年度大馬十大院線最愛電影

撇開國際院線,今年普通廳上映的電影素質平平無奇。就算是商業大片,也少了敘事與視效突破的驚喜。

看到全年大馬電影票房榜,就更篤定大馬觀眾娛樂慾望高於口碑。許多國內外差評的動作與特效片,卻佔據10強超過一半位子。

幸好,國內院線已有定期舉行電影節(如歐洲、南美州、日本、韓國等),雖然有些已上映幾年,但能透過大熒幕感受影像魅力,聊勝於無。而且,目前某家國際院線已加快歐洲電影發行步伐,值得鼓掌。

前三排名有特選,其餘不分名次。

1.On Body and Soul

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無可挑剔。不容易操作的議題,從靈魂談到肉體慾望,導演卻透過戲感奇準的演員,鋪以冷溫自然交錯的美麗運鏡,暗潮洶湧的詩意蒙太奇,立體傳遞出兩個身心殘缺男女的奇幻愛情經歷。

前半段偏冷色系。女主角一絲不苟的潔癖,對比屠宰場的血淋淋,畫面有意無意地滲透壓抑。後半段草坪上感受到水滴,象徵蓬門濕潤的愛情感受,畫面色調也偏暖。《What He Wrote》是神來之筆,電影內兩次播出,卻正是情緒反差時。

愛情先靈後慾,是否就能修成正果?結尾並沒有給答案,但這留白正好對應剪接節奏,無限延伸成現實的思辨空間。有意象、也有寓意,2017年首選。

2.LaLa Land

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復古元素加w歌舞劇,就像迷迭香滲入迷幻藥,再加上投射許多老電影的俏皮愛情對白與場景,有種掉入老歲月的迷幻香氛。

但剝開技術外殼, 電影談的 “ 衝突 ” 與 “ 妥協 ” 才精彩。最好詮釋衝突與妥協的話,正好是John Legend對著Ryan Gosling說的:你若是如此保守,要怎麼創新?你一直懷舊,但爵士樂是要創造未來啊!

這兩大元素不斷穿梭在兩個主角身影,也讓電影點石成金,使建構的追夢過程真實又不失魔幻,也成了走出戲院後不斷拉扯觀影心情的糾結。

還有個Click的前提——你有爵士魂。

3.The Square

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看過導演前作《Turist》已有驚喜。這部沿用導演獨有的黑色幽默加嘲諷手法,還有跳脫一般的敘事節奏,只是目標從家庭轉移至精英族群,卻依舊有辛辣爽快的觀影感。

嚴肅課題,卻透過趣味橫生的劇本與導演富想像力的手法,從開始到結束都毫無冷場。電影透過層層荒謬的劇情,看似引人發噱,實際上藏有對主流社會最高階層的狠狠抨擊。

個人喜好度雖然不如On Body and Soul,但若以政治正確立場與議題,是今年奧斯卡最佳外語片頂頭大熱。

4.Baby driver

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音樂節奏與劇情的踩點結合,讓這部商業片定調了好看的基礎。無論是開頭6分鐘的精彩搶劫戲,第二場3分鐘的一道未剪買咖啡戲,或是之後的愛情或警匪追逐戲,劇情順應著許多老歌詞巧妙延展,展現了導創新中不失致敬的玩心。

另外,裡頭藏不住的搞怪Cult味,從主角名稱到角色設計,再配上許多會心一笑的諷刺隱喻,看得非常過癮。

最後,恭喜Edgar Wright入圍金球獎喜劇音樂類最佳男主角,符合了版主走出戲院後想給他一個成功蛻變的肯定。

5.一念无明

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新導演新編劇新團隊,處理故事節奏到場面調度卻功力非凡。尤其喜歡很多時候攝影鏡頭不動,但靠著人物與場景的互動關係,就將一個香港破碎家庭的掙扎與無奈烘出苦味。

意像處理出色,從“ 高 ” 、“ 水 ” 等都隱喻出各種生活困頓與機遇轉折。電影能如此動人歸功在劇本紮實,對白設計非常精準。針對時弊沒有直接批判,但訊息都藏在鏡頭與日常對話。

不過,若配樂能更節制,後半段煽情元素稀釋,會更加分。

6.MA’ ROSA

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近乎紀錄片拍攝。題材大膽,真實經驗為大前提,因此手持攝影不時搖晃,採光也偏粗糙,觀影經驗不舒服,看完後卻有股揮之不去的鬱悶。

為了生活鋌而走險販毒,兩夫妻面對警方的貪腐賄賂,孩子奔走籌款的碰壁等,透過層層瑣事風波,建構出讓人疲於奔命卻又不時絕望的情緒。

公共行政體系潰爛,親情再緊密也無法解除重重焦慮。導演透過長鏡頭,不加以批判是非,讓觀眾自行思考對錯。但所謂的非法與正義,早已隨著劇情逐漸喪失二元對立價值,只剩下更多生活逼人的無奈。

7.分贝人生

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劇本寫得紮實有力,帶出大馬貧窮家庭的苦澀與宿命外,最重要是導演並沒有落入馬來西亞電影常有的詬病,即透過大量對白來交代劇情,或透過角色來生硬推演劇情,反而懂得善用構圖、環境音與肢體語言,慢慢堆砌一個跌宕轉折的情節,讓裡頭的角色淪為命運下的棋子,無力地迎接生活的種種打擊。

這種平視觀影角度,讓觀眾更感同身受主角的際遇,而這也成就了好電影需要的另一半條件。

儘管中途有點拖曳,張艾嘉的腔調也讓人無法投入,但已經稱得上院線上映過最好看的馬來西亞電影。

8.Arrival

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美麗超然。美麗在於那非線性跳躍的剪接,在於那欲言又止但情緒飽滿的鏡頭;超然,則是那突破傳統框架,從靈活大膽的科幻假設中,傳遞大愛豁達的寓意。

作品的開頭,即是故事的結局。表面探討外星人來地球的目的與人類的焦慮,實質上談人性的單純愛。

規律的哲學是電影最想拋出的訊息,打破線性思考,粉碎時間順序想像,或許才能真正的 “ 生生不息 ”——就算生命有限,但時空無度,意志能自由來去。一切都回歸經歷,就算有缺憾,到頭來還是會變成跳動時空觀點上的收穫。

9.mother!

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與其說喜歡電影劇情,倒不如是欣賞執行創意。

無論是偽聖經故事、環保議題或純粹的男女角力關係,這部結合了舞台劇手法的超現實主義電影,就算看不懂剪接安排,也不得不承認每一段單剪出來都有種好看的詩意。

全片都幾乎在一個屋子內進行,房子構圖簡單,屋內呈輻射型的設計,視角理應清楚明朗,但導演卻能透過運鏡與剪輯,製造出各種情緒壓迫與詭異氣氛。

當然,Jennifer Lawrence與Michelle Pfeiffer是撐起整部戲的核能。

10.Wonder

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清新脫俗,笑中帶淚。

透過多個人物視角,除了展現臉部有殘缺的男孩世界外,也折射出承擔這個弱勢人物背後也有各自的脆弱情緒。劇本對白睿智簡練,常常一句話就能寓意橫生。

缺點是支線太多,部分角色的刻畫顯得馬虎,但細節鋪陳有創意,演員化學作用很強,走出戲院後依舊覺得暖心安慰。


 

 

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《女友》雜誌旅遊專欄:波折

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飛機降落在悉尼機場時已是晚上8點多。

“ 阿彌陀佛! ”我低吟著。呼,遲了1個多小時,但總算是順利抵達。接下來 8 天行程無聊也不打緊,但求入住手續妥當,交通銜接順暢,就好。

沒辦法。回想出發前狀況一堆,最後還差點趕不上飛機,某種死裡逃生的狼狽感,讓我一直無法預支這趟家庭旅行的興奮期望。

都怪自己太貪心。公司工作滿檔,卻還不知死活在外頭接了一堆活動,嚴重耽誤了行前準備功課。直到出發前幾週才驚覺大事不妙,覺悟到帶著父母的旅行絕不能像與朋友出遊般隨心所欲,只好匆匆買本澳洲旅遊指南書填補心虛。

出發前一晚還自我安慰:大不了見步行步。反正在這時代,有手機上網額度才是王道。

但。我。錯。了。

原來手機還是敵不過人性!

出發當天,我們已提早 2 小時半抵達吉隆坡國際機場,卻以為來到了最新蘋果手機的發布現場。一看,航公公司櫃檯開得少,處理動作又慢,才讓人龍快速繁殖。

咦,說好重組後的風采呢?怎麼那些年的慘痛悲劇,換來的依舊是熟口熟臉的樹懶效率啊?

幸好,隨著第一道曙光溫柔射入大廳,行李托運手續也在 40 分鐘內順利完成。原以為厄運已耗光,我腳步變得輕盈,開心地走下手扶梯。沒想到還沒踏進通關口,我立即為剛才的埋怨內疚起來。

航空公司櫃檯的人龍算什麼?眼前的景象才是真正可怕。人滿為患,擁擠得連隊形都看不見,我差點以為待會要登上的是諾亞方舟。

往前一探,才知道某些自動檢查護照的機器故障,海關櫃檯開得太少,動作又不俐落導致。

那天正好是國慶日。

我環顧四周——嗯,與我想像中一樣,每個人身體如草枝擺,嘴裡都惦記著羚羊。

真應節。

幸好,登機前15分鐘順利過關,只是機位仍空一大半。等了近 1 小時,總算才填滿起飛。所以,到了悉尼機場被海關特別關注行李內的東西,我也笑著回應。

度到安樂彼岸了,還有什麼好計較呢?

到了飯店放行李,我與弟弟帶著爸媽吃晚餐。9 月的南半球,冬季尚未落幕。10 度天氣還算涼快,風一吹卻不得了。匆忙之中,我們走進韓國餐廳來慶祝落腳第一餐,聽起來是不太符合旅遊倫理學,但飢寒交迫中,誰還在乎這點尊嚴。

走回飯店路上,風依舊吹得猛,我自顧自地先走。猛一回頭,發現爸媽落在後頭。

只見爸爸耐心地幫媽媽扣上外套釦子,整理帽子,然後媽媽挽著爸爸的手,緊縮著身子,亦步亦趨。兩人身材不高,但在街燈照映下,影子彷彿拉長成一雙緊貼的筷子。

當下,累積的怨氣全消,心開始暖和起來。

如果所有的不順遂,只為了換來一瞥爸媽的親密依偎,我想——還是值得。

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《王子眼疾》影評:《我來自紐約2:當我們在一起》

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看完《我來自紐約2:當我們在一起》,心裡有一份哀傷。
 
這份哀傷,並非是故事說得多感動,演員演得太精彩,而是依然看到大馬中文電影某種衝不破的玻璃天花板。
 
不幸的是,《我2》依舊困在這個魔咒。
 
續集?可以拍;親情?可以拍;失智老人?當然也可以拍。這些都不是構成電影失敗的原因。
 
電影好玩的是,沒有所謂的題材限制,沒有絕對成敗的方程式,前提是擁有主創團隊的誠意與創意,還有一份敏感得緊貼市場趨勢的觀察力,那就算賺不到戲票,至少還能把里子撐飽。
 
不過,大馬中文電影人普遍不懂這個定律。總認為只要一味本土化,將所有陳腔濫調的題材注入國內風景與特殊腔調俚語,就能催眠本地觀眾的愛國情結,將觀影標準放得很低,為的只是要支持正萌芽的中文電影業。
 
一旦抱著 “ 支持 ” 心態捧場,不論透過怎樣的宣傳手段,對觀眾而言就是不合理的 “ 雙重標準 ” ——同樣都是花錢買票進場,你怎能要求觀眾要善意降低觀影標準,為的只是因為 “ 大馬出產的中文電影 ” ?
 
說得這麼多,主要還是為《我2》可惜。上一集雖然曾獲得《澳門影展》最佳電影、男主角、新人與編劇,但坦白說電影依舊有許多執行瑕疵。
 
不過,至少在題材上選擇從文化差異切入,配上大馬獨有的多元社會背景,及多位童星的不怯場演出,電影還算脫俗清新,至少能把一個南轅北轍價值觀的祖孫情說得完整。
 
這對《我來自紐約》來說,其實已經完成了使命;就算要拍續集,最大的骨架應該仍是文化差異——例如狄龍去紐約生活,在那裡感受到另一種文化衝擊——而不是延續主角的生活互動情節。否則這不僅典當了電影原本已打下的好看元素,甚至還辜負電影名稱的用意,變成了一種純屬商業設計的不真誠(而 “ 真誠 ”正好又是第一集裡最重要觸動觀眾的元素啊)。
 
所以續集主要講述祖孫生活在一起,進而以老人失智為主題。這樣的鋪陳與其說是大膽,倒不如說是 “ 脫序 ” 。導演或許以為這樣是換湯不換藥——反正老人失智也挺感人的——認為這樣就能延續感動元素。
 
但如版主所說,這部片之前最大的成功,與其說是祖孫情,倒不如說是 “ 有文化差異的祖孫情 ” 。文化差異始終是催化祖孫互動的最大關鍵,讓這元素無用武之地,其實無形中大大增加了觀影的風險。
 
那以老人失智為主題絕對失敗?那又未必。這個題材依舊有許多角度可深掘,拍得好看的話恐怕還是可成就另一部《桃姐》。
 
重點是,這幾年談老人失智的題材都流於一致,不是主打老人家患病後的可憐遭遇,就是家人知情後無微不至的照顧(去年大馬就有部《大手牽小手》可參考)。刻畫都太表面,情節也意料之中,所以這類題材很危險——贏在都有共鳴感,輸也歸咎在共鳴感已重複。
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《我2》最大問題在劇本。失智刻畫得太草率,劇情走向也太合情合理。而導演想要刻意調味的元素又不太合理,例如拉外勞打麻將的戲寫得好荒唐,而譚俊彥飾演的孩子父親角色也美化得太刻意,這些都一直挑戰觀眾的投入感。
 
同時,對白寫得不接地氣,有時甚至出現了許多太過文藝腔的台詞,就算設定是合家歡電影,難免也讓人覺得過度 “ 政治正確 ” ,無形中也讓第一集的人物性格模糊起來,多了咬文嚼字的賣弄,少了之前的立體鮮明。
 
但更大的敗筆來自剪接。坦白說,這部電影就算以1.25倍速快轉,依舊有讓人想 “ 大刀闊斧 ” 缩剪的衝動。若電影故事沒有驚喜,剪接應該要負責加快節奏;但剪接師沒有跳出來站在第三者立場,用觀眾角度來感受劇情速度,反而附屬於導演角度下,成了直接搬用劇本的剪接機器。
 
結果,電影變成有種固打制: “ 每3分鐘要有感動點 ”。鋪陳很多,急於轉折,加上不斷希望用配樂來加強柔和度,最終讓這部片最基本的起承轉合都模糊起來,導致電影趨於濫情又沉悶。
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或許是導演希望加大感動力度,讓演員也深受其害,每個人都演得用力,無論是狄龍、童星陳沁霖與陳智深等,都少了上一集的輕鬆自然,反而有種一直想設計觀眾掉淚的做作心機。反而是取代宣萱的吳天瑜演得自然,雖然在角色辨識度上吃虧,但進入中段後她像是個柔和劑,撫平了許多電影的刻意味道。
 
還是一樣,創意、誠意與敏感度,是大馬電影人目前最要克服的一座山。尤其目前資訊科技發達,太多媒介可觀賞不同國家電影,大馬中文電影再也不是跟本地片賽跑。所以別再把觀眾當成慈善家——除非你真的有把握在其他國家上映也不心虛吧!
 
 
 
 
 
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《女友》雜誌旅遊專欄:恨搭機(下)

2015-06-06 06.41.35

我當然不是一開始就恨搭機。

只是命運真的很無常。活得越久,經歷越多,愛恨常常就會不自覺錯位。

原本喜歡的事物體驗多次後,某天可能會突然無感;而討厭的東西也可能因某些小意外,莫名地鍾愛起來。

所以,很多事情真的別立即蓋棺定論,否則自打嘴巴的事就會宿命式輪迴上演。

話說,剛開始搭飛機的經驗自然是快樂又美好。還記得前兩次搭飛機高中時期那時搭飛機似乎是青春期最亮眼的勳章,心裡有種莫名優越感,甚至自我感覺良好得連下機走路時都覺得不斷有風在吹

第一次是代表學校飛到其他州參加洲際馬來論壇比賽當時搭乘的是舊式小型渦輪螺旋槳飛機30多個座位,從檳城飛往吉蘭丹,不到1小時飛行里程,興奮卻彷彿蔓延成整個世紀。小機型關係,飛機飛得不算高,往窗外看,一直可俯瞰漂亮的中央山脈,比起後來乘坐大型飛機只能看到泛白平流層的單調,視野精彩多了。

那時,我才真正見識到大馬原始森林的浩瀚壯麗感受著地裡課本上難以言喻的春和景明。雖然最終比賽輸了,慶幸得到了更長遠美好的人生視野。

沒想到相隔幾個月,又有機會搭飛機。那次代表學校到中國無錫與蘇州參加聯合國舉辦的夏令營。

雖然已有經驗,但第二次依舊非常興奮,因為那是人生首次乘坐大型飛機波音737系列,能真正享受到全套的機上服務——除了完整飛機餐、聽音樂的耳機、小枕頭與被單,還可無限次任點飲料。

當時飛行旅程長達六七個小時,我們與他校學生在機上預習夏令營的氣氛。大家除了圍在一起玩牌與殺手遊戲外,還不斷與空姐合照。現在回想,雖然會對這種土豪行為丟臉,但若當初不經歷這些瘋狂白目,對青春期的缺憾恐怕又添多一筆。

但那之後,對搭機的好感急轉直下,尤其在台灣留學的那段時期最嚴重,每年來回乘搭飛機莫名變成一種心理負擔。

那是個廉價航空還未出世的年代當時搭乘都是全服務航空,理應飛機招待素質不差。不過,無論是華航、國泰、馬航或長榮,當時總覺得每家航空的飛機餐怪異的味道。

旁人說可能是高空氣壓導致的心理因素作怪,但我莫名對那微波爐叮出來的鋁箔紙味高度敏感總覺得吞下的食物像是塑膠製品,難以下嚥。

最終,我總是只吃麵包與水果等清淡食物,主食統統留給坐在身邊的朋友。直到前幾年,或許這輩子“討厭飛機餐“的額度滿了,也可能是年紀大了味蕾退化,吃起飛機餐再也聞不到那討厭的鋁箔紙味,反而可慢慢感受那餐點的味道——呼,總算可以較理直氣壯地把餐盤交還給空姐了!

但我與飛機的孽緣還未結清,每次幾乎都有不同狀況。就拿今年初飛往日本好了,當時身體抱恙出發,晚上前往機場時航班卻展延,直到半夜才能正式搭機。

鼻水當時不停狂流,7個小時飛行時間簡直非常難熬。最糟糕的是,要開始降陸的前半小時,因為高度引發的氣壓轉變,鼻腔因無法調整體內外氣壓,我漸漸感受到有股莫名高壓,從鼻子延伸至眼球,然後再擴散到太陽穴。

當下,有種眼窩到腦漿都要快爆炸的痛苦,我真以為那次死定了!

匆忙間我倒了風油亂搽,只求刺辣能壓得過氣壓的劇痛。當時也已分不清何者更難受,我只能本能地摀住眼睛,還有嘴裡不斷念念有詞的祈禱。

安全下機後趕緊去廁所,一擤鼻涕,洗手盆滿是鮮血。之後,鼻血鬧了五天才罷休,醫生好友說這已是萬幸,因為嚴重的話可能會失明。

你說,我能有不恨搭機的理由嗎?

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《王子眼疾》影評:《空手道》

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有點意外,杜汶澤自導自演自編(還身兼監製與武術指導)的《空手道》竟是部超認真的文藝片。

杜汶澤的熒幕形象一直以搞笑胡鬧為主,就算曾拍過《伊莎貝拉》等文藝片,但依舊脫離不了骨子裡的不正經感,加上私底下常鬧出口舌風波,而上一部首次導演的作品《開飯啦》也是通俗喜劇,因此看完《空手道》後,心中竟對杜汶澤有點刮目相看。

坦白說,電影並非拍得非常好。首先劇本寫得不太紮實,前半段兩位主角的各自背景描繪得生動,自嘲得剛好,但到了中後段有點倉促,結局草率處理成一種意識流,就算裡頭有些社會時局隱喻,但透過空手道來投射,還是有點不太精準。

電影節奏也時好時壞。有時就算毫無對白,透過漂亮的構圖與空鏡就有欲語還休的故事感;但是有時又顯得叨絮,尤其鄧麗欣的愛情戲太過拖拉,減緩了電影前半段的戲味鋪陳。

同時,後半段鄧麗欣重振旗鼓後的生活鋪陳太薄弱,杜汶澤的戲份突然稀釋太多,讓裡頭的豁達訊息霎時變得短淺,浪費了太多技術漂亮的設計。

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不過扣除這些,電影還是有很多好看之處。其中,鏡頭與音樂以日本電影為參考,尤其鏡頭部分,燈光與濾鏡的處理都是複製日本純愛電影的技術模板,配上裡頭對話不多的場面,有種莫名禪意。

導演刻意用了許多對比來暗喻際遇。一開始歐錦棠從暗黑擂台回到了武館,鏡頭一路沿著街道、上樓梯轉角,走進日式武館,這時意境無不充滿失意茫然。

之後,鄧麗欣重新發奮圖強練回空手道,鏡頭再一次重複這套路線。沿著街道、上樓梯轉角,走進日式武館,然後她身邊坐著歐錦棠。

另外,鄧麗欣因與爸爸關係鬧僵,徒留爸爸一個人在家吃火鍋時,鏡頭慢慢拉遠,空間有種父女關係疏離的寂寥。而之後鄧麗欣決心重整武館,最後坐在爸爸當年的位子吃著火鍋時,鏡頭依舊慢慢拉遠。此時武館仍空蕩盪,但已有著豁達釋懷的飽滿。

導演想透過這些對比鏡頭來描繪宿命,企圖心其實值得讚許。不過在劇本命題核心方面依舊寫得不夠強,讓這些設計變成太隱晦,若非對鏡頭敏感者很難察覺這份細心,有點可惜。

配樂也延用許多日本電影常用的樂器,大部分都與畫面搭配融洽,無論是戰鼓或日式民謠,都催化了一些劇情張力。惟我更偏好稍微抽走部分音樂,這樣可讓這部尋找自我的電影多了沉澱空間。

杜汶澤將一個失落中年男子演得踏實,但裡頭最亮眼的還是鄧麗欣,她將一個注重愛情輕視親情的現代廢青演得很好,加上角色刻畫具體,算是她出道以來的代表作,至少擺脫了她拍葉念琛愛情小品的刻板形象。

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但選角最對的還是倉田保昭。這個80年代港片常出現的反派,算是找到了他最適合的角色。不需多話,一件道服,正好散發他私底下的生活氣質。戲與人生角色的完美結合,就算戲份不多,至少也讓影迷有了浪漫投射話題。

現代香港電影業仍處於低潮期,雖然《空手道》談不上石破天驚,但至少拍得真摯有誠意,技術處理成熟,不煽情也不悲情,讓人對杜汶澤的下一部作品有期待。

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《王子眼疾》影評:《mother!》

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《Mother!》的最後字幕是最重要的關鍵。

舊式字幕樣板,角色表列出時,所有演員對應的都不是名字。

Jennifer Lawrence是mother;Javier Bardem是Him;Ed Harris是man;Michelle Pfeiffer是woman。

更詭異的是,所有字母都是小寫,甚至連最重要的女主角、片名相關的mother也一樣。

除了Him。

回想劇情,還有片尾的《The End Of The World》——碰,如同電影裡火爐引爆的炸裂,一下子把糾結都炸開,這時,《Mother!》整體意象的創作概念才算清晰。

mother是大地之母,擁有著原生封閉的愛,依偎著另一半畏畏而活;Him則是創造萬物的上帝,大寫字母明示著電影裡頭超然的地位。就算是遭遇洪荒災難,他依舊能絲毫不傷,用毀滅的力量提煉出再生的能量。

繼續獲man與woman無限崇拜擁戴;繼續讓man與woman沉淪湮滅。

都是聖經內的符號對應。此時,落幕延續成另種序幕,就像電影片尾重複片頭的節奏,生生不息。世界並未毀滅,毀滅的只是寄生在大地上的生物。

而《The End Of The World》彷彿唱出世界末日的哀嘆,實際上卻只是mother的悲憐安魂曲,一首一廂情願的心聲,甚至對於Him來說,只是永生裡的一段休歇曲。

如此而已。

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再看回片名《mother!》後面的感嘆號,就算不化成聖經的符號對應,放在尋常愛情關係中,也是一種自古以來難以平衡消耗的嘆息。

所以,在這樣極端表現主義的手法中,好與壞根本已不重要,擠壓到最後的只剩下口味的喜厭。

或者說,與其用好壞來評價,我寧願用討論的角度來看待mother!,畢竟導演Darren Aronofsky 過往的作品也藏有許多超現實訊息,一時間很難清理論斷。

無論是偽聖經故事、環保議題或純粹的男女角力關係,這部結合了舞台劇手法的超現實主義電影,就算看不懂剪接安排,也不得不承認每一段單剪出來都有種好看的詩意。

服食藥物出現的恍惚,懷孕後的症狀,面對丈夫愛世人多過愛自己的惆悵等,導演透過搖擺的鏡頭與與恍惚的音效,試圖傳遞出詩歌獨有的抽象感,也符合聖經裡如詩歌般記載的曖昧不清訊息。

電影前面三分之二都還算正常,唯一詭異的是電影鏡頭。基本上主要鏡頭只有3種——特寫、過肩與主觀鏡頭。尤其特寫鏡頭總是以極奇獨特的角度,捕捉出Jennifer Lawrence那神經兮兮的焦慮情緒。

也因為大量充斥這些鏡頭,間接也限制了觀影視角。觀眾永遠只能跟隨著Jennifer Lawrence去揣測周遭的片面資訊,但永遠無法知道真相。而就是因為這樣,隨著劇情越來越荒誕,觀眾也才能深刻投入劇情,與Jennifer Lawrence面對排山倒海的困惑與不安。

後面三分之一是重點。前半段Jennifer Lawrence用愛與時間用心砌牆,但Javier Bardem只會自私埋頭在創作裡,直到最後,對上帝的讚歎最終演變成一種狂歡後的失控,這場混亂彷彿也預示著人類史的荒謬。

而關鍵點在於Jennifer Lawrence的新生兒。就算對聖經不熟悉,也看得出這場戲對應著耶穌一生尷尬的命運。

新生兒從她身上被帶走,並被激情的人潮互相傳遞讚頌,最終卻在狂熱對抗的勢力中莫名死亡,甚至其身體與血液被人類化成麵包與葡萄酒吃掉。

就算是符號對應,但電影裡赤裸裸的殺嬰鏡頭,恐怕是好萊塢A級片裡至今意識形態最可怕的鏡頭。好不好見仁見智,但這凸顯出導演不斷挑戰創作極限的雄心。

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此外,全片都幾乎在一個屋子內進行,房子構圖簡單,屋內呈輻射型的設計,視角理應清楚明朗,但導演卻能透過運鏡與剪輯,製造出各種情緒壓迫與詭異氣氛,這讓我想起了另一部舞台式形式的《Dogville》。就算對劇情評價不高,但無可否認它們都對藝術有著高度追求與突破,這點是我非常欣賞的。

Jennifer Lawrence演得超級精彩。她的表演能量非常豐沛,強力撐起這個複雜多變的神經質角色。這個角色表演難度超高,情緒一旦不連貫,肯定就輕易掉入胡鬧的爛片行列。若不是Jennifer Lawrence如火純青的表演,這部電影更沒有值得討論的空間。

Ed Harris與Michelle Pfeiffer也是火花四射,演配角卻幾乎場場搶戲,舉手投足都有著難以言語的風騷。反倒是得過奧斯卡最佳男配角的Javier Bardem有點被比下去,他想演得超然疏離,但反而有種格格不入的怪異感。比起正常個性,或許帶神經質的角色才適合他。

還是那句,這部電影肯定是兩極評價,但無論是空洞荒謬或超然神作,無可否認的是它獨特的情緒渲染力。還有,電影裡不斷有人提問的 “ 這是你家? ” ,我想比起直接給答案,或許如何反思問題才是導演想給觀眾最大的啟示。

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